tag:blogger.com,1999:blog-18098728959982371892024-03-14T00:48:14.364-07:00Ojos bien abiertosMorningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.comBlogger51125tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-72176410977438933342019-09-26T12:00:00.000-07:002019-09-26T15:29:42.232-07:00Joker, de Todd Phillips<p>
La figura del payaso en el cine siempre ha sido objeto de escarnio, llevada hacia los extremos de la comedia o el drama. Caricatura humana, su desempeño es ya una exageración; pero, al llegar a ese segundo nivel de desproporción en pantalla las cosas pueden tornarse aún más ridículas, trágicas o tortuosas.
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Así, no extraña que JOKER, el filme de Todd Phillips, protagonizado por Joaquin Phoenix, esté provocando el polvorín mediático del momento, por su forma y fondo y el peculiar origen (un filme inspirado en un famosísimo y popular icono de cómic: Joker, el archienemigo de Batman, un psicópata oculto tras el maquillaje de payaso, que se ha robado el corazón de –literal– millones de lectores y espectadores durante casi ochenta años) de su historia. Todo esto en conjunto ha producido una especie de aberración que a cierto sector de público y crítica parece estarle costando trabajo aprehender.
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Ya para esta segunda década del Siglo XXI, la programación de nuestros códigos parece dictarnos de manera precisa cómo debe ser y cómo no debe ser un filme basado o inspirado en un cómic, y cuando encontramos uno como JOKER, esos preconceptos entran en crisis y provocan conflictos.
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En este filme atestiguamos el quiebre psicológico de Arthur Fleck, ghotamita (habitante de Gotham City) que ha vivido en la marginalidad social desde que tiene uso de ‘razón’, y a quien su madre le explicó que su objetivo en este mundo era poner una sonrisa en la gente. Y eso como aliciente ante un padecimiento cerebral que lo hace reír indiscriminadamente... pues sí, como demente. La respuesta, así, se encuentra en la búsqueda de una carrera como comediante, pero todo parece estar en contra de manera esquemática.
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Y así, el largometraje se convierte en un doloroso camino en la perdición; ni siquiera se trata de un descenso, pues el infortunio ya está bien plantado, tan sólo vemos el punto en el que ya no hay posibilidad de redención, ya no hay manera de enderezar el camino (en realidad, nunca estuvo recto), lo único que queda, que sigue, es que las cosas continúen su curso. Y eso, en muy pocas ocasiones, se ha permitido en el cine, en los cómics, en la prosa, en la narrativa en general.
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Los personajes nihilistas no son algo que se acostumbre en el cine comercial (al menos en términos concretamente trágicos); en el cine, como en la mayoría de la narrativa popular, es posible retratar los caminos tortuosos, siempre y cuando exista la redención hacia el final o se le caricaturice. La historia de un payaso homicida y desagradable, extirpado de todo el oropel que permite la narrativa de aventuras, podemos entender que no se trate de un ‘entretenimiento’ para todo el público. Aunque eso no lo convierte en pernicioso o censurable.
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Buena parte del cine más respetado, sensible y recordado, tiene que ver con el ser humano en situaciones límite: <i>A Clockwork Orange</i>, <i>Taxi Driver</i> y <i>King of Comedy</i>, son tres obras que cumplen con este patrón y que, de hecho, han sido mencionadas por el realizador de JOKER como influencia directa. Y sin duda, se trata de obras que han tenido acercamientos desagradables posteriores con la realidad, pero que no por eso vamos a desestimar o enlatar por hablarnos de los tonos oscuros de la sociedad, de los riesgos que laten en nuestro ecosistema y sus instituciones.
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En JOKER, por supuesto, también están presentes los detalles que llevan a recordar el tremendismo inolvidable en <i>The Killing Joke</i>, de Alan Moore y Brian Bolland, el cómic que terminó por demostrarnos –por hacernos recordar– que la psicopatía es realmente peligrosa, aún cuando parezca atractiva.
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Todo esto ha entregado un filme que a momentos parece que desembocará en una caricatura con el ánimo de rebajar la tensión de la tragedia en pantalla, como a menudo sucede en el cine en Hollywood. Pero en este filme eso no se da, y por el contrario –repito– la miasma simplemente crece. Esto parece resultar doblemente polémico, pues la discusión interna en el espectador parece plantear entonces: “Pero, ¿cómo es posible que las razones de Joker sean estas y que lo lleven a esto?”.
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La construcción trágica del filme, sí, pareciera buscar el sensacionalismo a partir de llevar un icono del cómic a los terrenos más oscuros de la realidad; como si se tratara de un oxímoron prohibido, ilegal, condenado a la hoguera.
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Pero la realidad es que, como cualquier otra literatura o narrativa, el cómic también puede provocar diversas lecturas y profundidades, acercándolo incluso más a la realidad que a la fantasía, como sucede con este filme.
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Con eso en mente, la tensión de este filme podemos empatarla directamente con un caso de la vida real y que, de hecho, fue conocido internacionalmente por encontrar crónica en forma de cómic: <i>American Splendor</i>. Obra que durante poco más de tres décadas (hasta poco antes de que su autor muriera de cáncer en 2010) narró las vicisitudes de vida en forma autobiográfica por parte de Harvey Pekar, un hombre de profundo conocimiento musical y literario, quien durante la mitad de su vida se desempeñó como archivista en un hospital, y decidió comenzar su propio cómic, instigado por su amigo Robert Crumb, pilar del surgimiento del cómic <i>underground</i>.
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Lo anterior en términos generales no es nada del otro mundo, porque efectivamente el paso de Pekar fue ordinario como el de la mayoría de nosotros; no obstante, su crónica permitió conocer a un autor fulminante en su visión y opinión de la vida, cargada de un pesimismo a ratos desternillante y a ratos aplastante, aunque siempre radical y valioso.
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Dentro de su obra –es decir su vida–, de los muchos momentos inolvidables, sobresalen varias de las presentaciones que tuvo en <i>Late Night With David Letterman</i>, donde protagonizó aireadas discusiones con el presentador televisivo, tanto por cuestiones políticas como de ética profesional y humana. La rabiosa naturaleza de Pekar es notoria en su serie de cómics, y queda patente en el extraordinario documental, sin igual, <i>American Splendor</i>, realizado por Shari Springer Berman y Robert Pulcini en 2003, donde el espectador espera que en cualquier momento su protagonista explote y haga algo indebido, aunque nunca sucede.
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En JOKER, Fleck presenta ciertos rasgos cercanos a Pekar, aunque este último no llegó al extremo de rematar la broma. Eso, hoy sobre todo, ya casi no se permite en el cine.
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Esto ha encendido algunos focos rojos, y ya ha comenzado a provocar no pocas protestas, radicalizando y segmentando opiniones y posiciones. Es cierto, la historia de un hombre que se encuentra en un abismo y no logra salir de ahí, fermentándolo con pólvora y sangre con traje de payaso y asintiendo ante algunos detalles de la mitología del cómic, puede parecer oportunista y tramposa en su construcción melodramática.
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Pero dejando a un lado prejuicios, es cierto también que el sesgo que toma como cine urbano, como thriller trágico en el que su protagonista es el mismo reflejo del (eco)sistema que se derrumba acabando con buena parte de su población, la más desprotegida (recorte en los servicios de salud provocando la crisis central del filme, mientras políticos benefician clara y únicamente a la clase poderosa, nos suena más que real y convincente en este momento) es de lo que están hechos los mejores <i>film noir</i> de la historia, y en este caso resulta en una contundente historia en la que, más que preocuparnos por el actuar y la toma de decisiones de su protagonista, valdría la pena analizar y enjuiciar las razones y los sucesos que lo llevan a esa posición.
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Esto, sin duda, ya ha arrojado un buen resultado con el León de Oro obtenido en el pasado Festival de Venecia (que en los últimos años ha resultado ser la antesala a los premios Oscar), una edición del certamen que precisamente se vio envuelto en la polémica por la inclusión del más reciente filme de Roman Polanski (autor a quien una ‘justicia’ que no lo es, busca ajusticiarlo por un error que ya no le compete y que Polanski y la aparente víctima resolvieron años atrás), así como de este filme que comenzó a generar expectativa y ruido por igual. Y por el momento, aún no sabemos si efectivamente se trate de un filme con mayores logros que el de Polanski, por ejemplo, que se llevó el León de Plata y el premio FIPRESCI, pero no hay duda de que se trata de una obra técnica, narrativa y actoralmente sobresaliente.
<p>A Phillips se le recuerda en gran medida por su saga de <i>The Hangover</i>, y no son gratos recuerdos precisamente. Pero en JOKER, afortunadamente, se nota un trabajo cuidado y pensado el tiempo suficiente y, sobre todo, con la distancia necesaria de las superproducciones y de la rutina, para lograr algo con distinción.
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JOKER, según ha declarado su realizador y coguionista, fue pensada como una sola historia de este personaje, y como posible episodio de una saga de historias oscuras y realistas inspiradas en distintos iconos de DC Comics. Pero lo cierto es que no está carente de guiños y detalles que podrían provocar una secuela y entonces, en ese aspecto, nos habrían mentido en la naturaleza casi efímera del proyecto.
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Sin embargo, si en el futuro se dieran más secuelas del nivel de esta historia, o episodios de la programada saga, creo que lo agradeceríamos como espectadores hartos de los rutinarios fuegos artificiales en que se han convertido las películas basadas en cómics de superhéroes.
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Tan sólo un par de horas, minutos después de la transmisión del combo de los dos impactantes últimos capítulos, el público se volcó por igual en injurias y ovaciones en una búsqueda por desentrañar o darle un sentido personal al que parece ser el cierre de esta magnífica construcción de David Lynch con Mark Frost.
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De entre los muchos temas discutidos durante esta tercera temporada de <i>Twin Peaks: The Return</i>, fue la breve participación de Julee Cruise, otrora diva de Lynch (a quien le debemos imágenes musicales inolvidables en <i>Blue Velvet</i>, <i>Industrial Symphony #1</i> y en la misma <i>Twin Peaks</i>), quien a través de redes sociales ya se manifestó molesta y con un sentimiento de traición por la breve y abrupta manera en que se manejó su participación musical al cierre de <i>TP:The Return</i>.
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Mientras seguimos masticando, digiriendo, disfrutando y analizando la ingesta de <i>TP: The Return</i>, y todo lo que se ha dicho sobre ella, rescato la siguiente entrevista que realicé hace 15 años con la misma Julee Cruise que, para quienes no recuerden, sepan o ni les interesó, se presentó en la Ciudad de México -entonces, Distrito Federal- como parte de un malogrado Love Parade. A continuación den clic en las dos imágenes, para leer la entrevista que se publicó en dos partes en el diario <i>unomasuno</i>, el 7 y el 8 de abril de 2002 (las erratas que pueden verse desde el encabezado, obviamente son resultado del diarismo).
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El cine de monstruos, o con monstruos –mejor dicho–, posee la loable tarea de recordarnos aquello que tememos y, en ocasiones, nos ayuda a enfrentarlo para no temerle tanto.
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De tal manera que el celebre y querido <i>kaiju eiga</i>, el cine de monstruos descomunales que destruyen ciudades y voluntades venido desde Japón, implica tal vez el terror más grande, pues las dimensiones de las amenazas que muestran son proporcionales a los temores que representan.
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Hace más de 60 años, cuando la Toho, Ishiro Honda y Eiji Tsubaraya presentaron <i>Gojira </i>ante el mundo, la pesadilla hecha realidad por la bomba atómica estaba terriblemente representada en los escombros dejados por Godzilla a su paso y por el mismo aspecto amenazante del milenario y desconocido hasta entonces dinosaurio.
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<i>Godzilla </i>resultó así una especie de exorcismo del brutal presente y un recordatorio de lo que sucedía cuando se olvida lo que implica la civilización.
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Durante ese tiempo, la treintena de filmes en la saga de Godzilla fueron por tanto una celebración de la vida en medio de la destrucción con fabulosas botargas de monstruos, maquetas increíbles y un humor que muchas veces rayó en la chota.
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La historia aleccionadora en que se transformó aquel primer <i>Gojira </i>casi en tono documental, aparentemente nos había mantenido alejados de la destrucción y nos permitió celebrar de dicha exuberante manera.
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Pero hemos llegado al Siglo XXI y las cosas ya no son las mismas.
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De nuevo la amenaza química (en aquel momento atómica, ahora radiactiva, con referencias claras al accidente de hace unos años en la Planta de Energía Nuclear de Fukushima) nos lleva a intentar buscarle un sentido a la permanecía de la humanidad.
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En <i>Shin Gojira</i> / <i>Shin Godzilla</i>, nuestro temido y querido a la vez monstruo imbatible ha dejado de implicar simplemente la contracción de gorila y ballena en japonés, para tener implicaciones omnipotentes y regenerativas divinas (God = Dios, zilla)... en inglés, por supuesto, por si había duda del nivel de la amenaza.
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El gran artista existencialista, Hideaki Anno (genio tras el estudio filosófico y psicológico que define los personajes de la saga <i>Neon Genesis Evangelion</i>) y el especialista en efectos Shinji Higuchi (quien renovó el <i>kaiju </i>con sus construcciones para la última saga de <i>Gamera</i>) concatenan medio siglo de cine de monstruos gigantes con el desarrollo tecnológico de la amenaza humana, y entregan un filme totalmente adulto en clave de espectacular e impactante metáfora –obviamente–, aunque abriendo camino heroicamente a la presentación de la humanidad como monstruo y posible redentor de nuestra existencia.
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Este relanzamiento de Gojira no es solamente una búsqueda por renovar una franquicia y su protagonista, sino una reflexión acerca del pasado y encontrar su reflejo en el presente. La Toho trabajó varios años en la maquinaria necesaria para echar a andar este filme, y Anno tuvo que superar una depresión post <i>Evangelion </i>y el temor a fracasar frente a la tarea de replantear un clásico.
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El resultado es un <i>kaiju eiga</i> que muestra el temor a una amenaza desconocida, y lo que esta puede provocar en la organización humana. El gran dilema geopolítico que desencadena la aparición y paso de una monstruosidad por Japón con el poder y renovación de un Dios es tajante y caótico (creo que no es azaroso que uno de los científicos en este filme sea interpretado por Shinya Tsukamoto, quien desde su ímpetu mostrado en <i>Tetsuo </i>ya anunciaba el fin de la civilización como la conocimos).
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De los extenuantes 120 minutos de metraje de <i>Shin Gojira</i> (que hemos corrido la fortuna de ver en las salas de cine mexicanas gracias a Cinemex, hay que decirlo) se requieren tan sólo unos cuantos minutos para mostrar la destrucción que un monstruo, una guerra o un accidente nuclear provocarían, y el resto para hablar de la incapacidad de respuesta del ser humano bajo las reglas de la actual aldea global.
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<i>Shin Gojira</i> es un filme totalmente adulto, comprometido no sólo con el subgénero que inauguró la primera de la saga en 1954, sino igualmente con su tiempo y con las capacidades del arte para marcar el tiempo y recordarnos de vez en cuando qué es lo que estamos haciendo aquí.
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Además del Diablo, algo más que causa pavor, confusión y animadversión, habita dentro de las brujas.
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKGYj4cjDd-z6YNoXTpIl35eMr3ChnzQNRhepu-wVF7a5gmuxVhyphenhyphen64oYYd5qHIEn56vyRhsJCOtorzW7ogOFEz39CaMt7rU1LlVmgZNiFY55_T9O4z3QD1ABg7Zdr-NQzFORKVFibmWX99/s1600/thewitch-posterandclip.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKGYj4cjDd-z6YNoXTpIl35eMr3ChnzQNRhepu-wVF7a5gmuxVhyphenhyphen64oYYd5qHIEn56vyRhsJCOtorzW7ogOFEz39CaMt7rU1LlVmgZNiFY55_T9O4z3QD1ABg7Zdr-NQzFORKVFibmWX99/s320/thewitch-posterandclip.jpg" /></a></div>
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En nuestra propia cultura, viejos y conocidos son los cuentos, relatos y crónicas que desde el seno familiar y las tertulias entre amigos nos hablan de que la vecina del vecino o el tío desaparecido alguna vez se encontró de cerca con una bruja.
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Yo mismo, en 1986, siendo un niño, a unas cuadras de mi casa, en vísperas del paso del cometa Halley, vi cruzar el cielo a una altura no muy importante una bola de fuego a gran velocidad y a la cual confundí con el cuerpo celeste; más tarde, me enteré que su arribo sería días después y a una altura y velocidad muy distintas a las que presencié.
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Ante todo esto –y a pesar del rostro en mayor medida grandilocuente y colorido al que nos ha acostumbrado el cine en poco más de cien años–, la imagen de la bruja, lo que implica y lo que provoca, ha sido uno de los temas que más me han apasionado en el cine.
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Víctima de la ignorancia y el fanatismo religioso o, por otro lado, con vocación para el auténtico mal, la bruja o se encuentra del lado del conocido como bien o del conocido como mal. Con ella no hay medias tintas.
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBIZA4YEFhawlJ5ZxeioU9Uy86w_Wp5XrMRJbpVtnBTCV8zjHQIX8fT475f69ZWZZ1mLbrrPmRzSCrNaNuBgQcqpcHA_64IjBKxKNW2XEA0CJdltDmsY6SgYg-2J2rljnicuypWaVEavB5/s1600/The-Witch-Black-Phillip.jpg.CROP.promo-xlarge2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBIZA4YEFhawlJ5ZxeioU9Uy86w_Wp5XrMRJbpVtnBTCV8zjHQIX8fT475f69ZWZZ1mLbrrPmRzSCrNaNuBgQcqpcHA_64IjBKxKNW2XEA0CJdltDmsY6SgYg-2J2rljnicuypWaVEavB5/s320/The-Witch-Black-Phillip.jpg.CROP.promo-xlarge2.jpg" /></a></div>
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Así, el filme <i>The Witch</i> (La Bruja), de Robert Eggers, de reciente estreno y exhibición alrededor del mundo ha causado adoradores o detractores; parece que en esto tampoco habrá medias tintas.
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En mi caso, el amor a primera vista fue la respuesta, porque en este hallé un filme que parece (y en parte) fue realizado sin reparar en un siglo de historia fílmica. Se trata de una historia que respeta su tema y fuente, buscando reconstruir un momento histórico sin exageraciones o recursos gratuitos.
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En el Siglo XVII, siglo oscuro, una familia en Norteamérica es obligada a abandonar una comunidad y buscar su propia subsistencia. Los padres, un recién nacido, una adolescente, un hijo y un par de pequeños gemelos, niña y niño, buscan sobrevivir a orillas del bosque con sus propios recursos. Un día, Thomasin, la adolescente, decide llevar a pasear cerca del bosque a Samuel, el miembro más joven de la familia. Desaparecido mientras ella cierra los ojos, Samuel es secuestrado por una entidad oscura. Culpan a un lobo de la desaparición, pero el miedo a algo allá afuera, el quebranto creciente de la familia y la extraña actitud de los gemelos con una cabra negra de su rebaño, van dando forma a los eventos.
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Lo primero que sorprende de <i>The Witch</i>, es la hermosa fotografía de Jarin Blaschke que, por un lado, capta el esplendor del bosque y sus parajes, así como la presencia humana y sus vestidos; y por el otro, construye de manera increíble, fascinante y bella la mística oscura de las brujas sugerida por documentos históricos, pero sobre todo por el agraciado pincel de Francisco de Goya. Desde <i>Haxan </i>(1922), de Benjamin Christensen, ninguna cámara de cine había capturado imágenes malditas de realismo y belleza apabullante, haciéndonos creer en algo que aparentemente no pasa de ser superchería.
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Pero para llegar a este logro técnico, se encuentra una investigación de Eggers que se expande durante 5 años y concluye en el gran logro plástico y narrativo que compone <i>The Witch</i>, filme cuyo verismo nos hace confrontar la peligrosidad que en aquel momento implicó la posibilidad latente de que cualquier buen día se acusara de brujería a cualquier individuo, especialmente a las mujeres, sin importar edad; y por otro, nos permite adentrarnos y participar en la fantasía de las brujas de manera radical. Es decir, este es un filme de dos tintas, y logradas sin problema.
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<i>The Witch</i> denuncia, finalmente, cómo a través de los siglos la ignorancia y el fanatismo han sido los mejores aliados de nuestra civilización moderna y su conversión al catolicismo. Y ahí, finalmente, es donde se da el punto de quiebre y las decisiones que mejor convengan son las que se toman. Aquí, como en cualquier ecosistema de tragedias –y tras la hecatombe emocional– las soluciones que llegan desde la clandestinidad o lo marginal, si es que no son las mejores, son las únicas ante la injusticia y el poder corrupto.
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnUy7XEQQYLk3tjdCO8qWrr2V72BrsaVLgtTMIyM5kcCLN1KEjdgV7rTnmsWJnPOBkS75NIUznmkqD97VezxwT5zeavS8LShvDWvlPMpkVCD8rzejFI73q6XEJN-BBQnTrIUtDHR4aOk__/s1600/thewitch_online_teaser_01_web_large.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnUy7XEQQYLk3tjdCO8qWrr2V72BrsaVLgtTMIyM5kcCLN1KEjdgV7rTnmsWJnPOBkS75NIUznmkqD97VezxwT5zeavS8LShvDWvlPMpkVCD8rzejFI73q6XEJN-BBQnTrIUtDHR4aOk__/s320/thewitch_online_teaser_01_web_large.jpg" /></a></div>
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A esto, sumamos el regodeo anecdótico y narrativo de <i>The Witch</i>, y tenemos un filme como pocos. Eggers no es especialmente seguidor del género oscuro en el cine, lo cual podemos considerar que le permitió alejarse marcadamente de las líneas de éste, y permitiendo que la alquimia del cine de Bergman y Dreyer, junto al deseo por acercarse a los eventos reales y su época, consiguieran una obra vital en la que suceden muchas cosas al encontrar frescura en el pensamiento antiguo.
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Como sucedió con <i>The Blair Witch Project</i> en su momento, a <i>The Witch</i> se le ha acusado de ser un filme que funciona con la dinámica de la publicidad con base en la promesa de que algo sucederá, de aquello que no se ve. Pero, por el contrario, como aquel mismo filme, en <i>The Witch</i> sucede mucho: el exterminio de una familia ante la omnipotencia de la organización más poderosa de la historia fundada en cuentos de hadas, además de proponernos de manera impresionante una manera de creer en las brujas.
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En <i>The Witch</i>, más que por proponer el lado oscuro como una solución a las inequidades de la vida, su pecado parece que ha sido no presentar efectos de la Industrial Light and Magic o de Weta Workshop. Pero la culpa la tiene una industria que nos hace creer que todo debe ser de cierta forma, y no las hermosas fantasías que nos muestran mujeres levitando en magníficas tinieblas.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-19953108723888252732014-11-19T22:52:00.001-08:002014-11-20T15:47:14.265-08:00The Texas Chainsaw Massacre: 40 Años<p>
<i>Esta semana en varias salas del país se re-estrena The Texas Chainsaw Massacre, con el título de exhibición La Masacre De Texas, y gracias al esfuerzo de la distribuidora Caníbal. Para muchos cinéfilos este es un momento de gozo, así que desempolvo este texto que escribí hace una década, cuando esta obra maestra de Tobe Hooper cumplía 30 años.</i>
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En 1957, un granjero insipiente de Wisconsin protagonizó un macabro episodio de la historia estadounidense. Trastornado, como sucede con todos los asesinos en serie, Edward Gein se dedicó a matar mujeres durante cerca de diez años con la peculiar finalidad de confeccionarse un traje de mujer; no con sus ropas, sino con su piel, pues deseaba convertirse en su contraparte de género. Sobra decir que la noticia cautivó a un gran auditorio, entre ellos un joven escritor que años después daría salida a ese interés en forma de una novela llamada <i>Psycho.<i></i></i>
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Desde luego la obra de Robert Bloch fue la que le dio base al clásico de Alfred Hitchcock del mismo nombre, <i>Psycho</i> (1960), y así como ésta, otras populares cintas –y otras no tanto–, como <i>The Silence of the Lambs</i> (1992), se basaron en el caso de Gein. Hay que ver las apasionantes y sobresalientes historias que este caso provocó en celuloide.
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Sin embargo, <i>The Texas Chainsaw Massacre</i> (1974) es la historia definitiva derivada de la pesadilla confeccionada por Gein. Sobre esta producción descansan ya 40 años de historia y su contundencia visual y discursiva continúa intacta. Se trata de uno de los documentos más importantes de su época y del cine estadounidense; igualmente, su fuerza visual y discursiva compondría la semilla de lo que años después se conocería como cine de <i>serial killers.</i>
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Tras más de cuatro décadas de carrera profesional, a Tobe Hooper la historia parece recordarlo por su efectiva, pero accidentada realización de <i>Poltergeist </i>(1982) que, a decir de muchos especialistas, estuvo más que producida por Steven Spielberg. Y tal vez, también se le recuerde porque desde los años noventa se ha dedicado a realizar proyectos de cine de horror de segunda. Sin embargo, y a pesar de que su filmografía es inconstante y variable en calidad, el talento de este cineasta ha sobresalido cuando las condiciones no han sido del todo adversas, como se demuestra en <i>The Texas Chainsaw Massacre</i>, y otros títulos como <i>Death Trap</i> (1977), <i>Funhouse </i>(1981), <i>Lifeforce </i>(1985), e incluso filmaciones accidentadas como <i>Spontaneous Combustión</i> (1990), <i>The Texas Chainsaw Massacre 2</i> (1987) y la misma <i>Poltergeist</i>.
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Al inicio de los años setenta, Hooper era un joven cineasta en Texas. Su documental sobre Peter, Paul y Mary y un viaje de ácido fílmico llamado <i>Eggsheels </i>le ganaron respeto en la comunidad cinematográfica de la región, e incluso premios para la segunda.
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Fue en víspera de Navidad en 1972 que, haciendo las condescendientes compras de temporada en un centro comercial, en medio de la cacofonía de villancicos, niños gritando y corriendo y una muchedumbre que apasionadamente consumía todo a su alcance, cuando Hooper desesperado vio una sierra de motor en el área de herramientas y la imagen de tomarla para abrirse paso con ella entre tirones de carne y borbotones de sangre se le presentó como una buena forma de evadirse.
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Desde luego eso no pasó de ser un deseo de año nuevo. Pero, unos meses después, Hooper comenzó a darle forma a esa idea agarrándose, también, de la nota roja protagonizada por Gein, la influencia de las historia de horror de la EC Comics (<i>Tales from the Crypt</i> y <i>The Vault of Horror</i>, entre otros) y, por supuesto, de la esquizofrenia producida por el intenso clima social y político de aquellos años.
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Es en ese contexto que los involucrados en el filme eran jóvenes un tanto politizados pero, sobre todo, con deseos de experimentar y trabajar sus ideas en cine ante las necesidades del momento. De entrada, Hooper hizo alianza con Kim Henkel para escribir en conjunto el guión. Poco a poco el equipo se fue conformando, y aunque el proyecto –inicialmente llamado Headchesse, y filmado como Leatherface– corrió con la suerte de ser apoyado por la naciente Texas Film Comission, el resto del presupuesto se buscó a través de una especie de cooperativa conformada por los mismos involucrados en la película (actores, técnicos, productores y director) y varios industriales y políticos texanos pudientes que buscaron hacer un poco de dinero –y también de deducir algunos impuestos–, produciendo una simple película de horror serie B… bueno, eso es lo que creyeron.
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En agosto de 1973 inició la filmación con un presupuesto reducido, pero con una buena cantidad de recursos imaginativos. La película finalmente no costaría más de 120 mil dólares, tanto en producción como en postproducción, y sería hasta el siguiente año cuando su estreno se realizaría a través de la distribuidora de Lou Perayno, gangster que se volvió aun más millonario de lo que era al producir <i>Deep Troath</i> (Gerard Damiano, 1972), el cult movie del cine porno. Hasta el día de hoy, la mayor parte del dinero generado (cerca de 300 millones de dólares alrededor del mundo) por la exitosa distribución de <i>Masacre en Texas</i> –o <i>Masacre en Cadena</i>, títulos con los que se le ha conocido en México- continúa sin llegar a las manos de sus verdaderos productores.
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En <i>The Texas Chainsaw Massacre</i>, como seguramente muchos lectores recordarán, vemos la historia de cinco jóvenes que deciden pasar un fin de semana en la casa de sus abuelos. Abandonada desde hace muchos años, la casa está en ruinas como el derredor texano. El grupo de turistas comienza a deambular por las cercanías y lo único que encuentra es la locura de una familia de caníbales que en pantalla se transformó en uno de los discursos más violentos de la historia del cine, haciendo uso de una violencia implícita –es decir, sin grandes cantidades de sangre y descuartizamientos– que transforma a la película en una especie de reversión del cuento de hadas.
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Tanto Hooper como Henkel en distintas ocasiones han asegurado que con este filme buscaron realizar una metáfora acerca de la vociferante y agitada era del Watergate y Vietnam; mientras que Gunnar Hansen –quien encarnó al inolvidable Leatherface, el asesino de la sierra de motor– contradice a estos dos recordando que lo que todo el equipo quería hacer, en realidad, era una buena película salvaje de horror de bajo presupuesto. Y bueno, el bajo presupuesto, el blow up de 16 a 35 mm en la magnífica fotografía de Dany Pearl, el sorprendente trabajo del diseñador de producción (un espeluznante universo creado a partir de huesos y látex) Robert A, Burns, el calor y la incapacidad para cambiarse de vestuario, además de la presencia de panques de mariguana como dieta durante la filmación de la cena, y con un elenco inolvidable de actores, comenzando por Gunnar Hansen y Marilyn Burns, confluyeron para armar esta mescolanza de horror, sátira y humor negro.
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Pocos han visto los trazos de humor negro en esta cinta, e igualmente los elementos del cuento de hadas, sólo que en un orden subvertido –la amenaza hacia los niños (representada por los jóvenes perseguidos) viene de la familia (representada por los caníbales); y símbolos, como el bosque, el hacha y otros, están presentes–; pero igualmente en muchos aspectos, consciente o inconscientemente, este filme confirmó una ruptura del cine de horror (en la que el mal no es más que una metáfora de la descomposición de la sociedad), y un parangón cinematográfico del cual, desde entonces, han tomado y copiado infinidad de producciones.
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<i>The Texas Chainsaw Massacre</i> es un filme crudo y complicado, sin duda. Pero igualmente, es uno de los filmes más bellos de la violencia en cine: la película está plagada de momentos magníficos, pero basta con ver la imagen de Leatherface girando con su sierra en una grotesca danza, para entender la magnificencia de esta obra.
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Gracias a Caníbal, durante estos días podremos verla en salas comerciales de cine en su versión remasterizada.
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Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-38630829413023998342014-11-16T11:35:00.000-08:002016-11-16T07:02:02.871-08:00Sin City: A Dame to Kill For<p>
En el universo del <i>film noir</i> clásico, tanto el claroscuro como los rostros de sus protagonistas y los escenarios tormentosos que estos transitan son el reflejo figurado de los conflictos y dilemas que se cuecen en las neuronas de víctimas y victimarios. La intromisión de la belleza femenina en este entramado (para cerrar el círculo de condenación), es básica y compone la desesperación y el deseo febril que termina por poner en marcha la maquinaria del desenlace, comúnmente agridulce y miserable.
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Dicho de otra manera: la mezcla correcta de violencia, tinieblas y belleza femenina componen el mejor film noir, el mejor thriller. <i>Sin City: A Dame to Kill For </i>(Sin City 2: Una Dama por la que Mataría, 2014), la segunda entrega fílmica basada en la historieta de culto estadounidense, continúa la exploración de estos cánones genéricos llegando hasta el hiperrealismo, tras un espectacular montaje que se construye en los prostéticos y las pantallas verdes.
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En contra de una industria y su mismo público, Frank Miller creó y ejecutó <i>Sin City<i></i></i> en cómic (su formato original), tomando a la hoja blanca de papel como un universo dispuesto a ser delimitado con grandes cantidades de tinta. Parte importante de la trascendencia de esta obra está ahí, en el formato y en el estilo (contraste entre el blanco y negro que casi siempre vira hacia el expresionismo y el gótico por igual), Miller es un artista portentoso a la hora de contrastar la luz con la sombra, aun cuando su trazo no resulta seductor para todo tipo de lector, pues en ocasiones las apariencias de sus personajes resultan demasiado grotescas o con características caricaturizadas de más para lectores con un gusto demasiado afinado por la industria.
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Pero lo que termina por darle el carácter a <i>Sin City</i> son las historias. Historias de grandes perdedores que se nos presentan como antihéroes, más que héroes. Individuos maltrechos de cuerpo y alma por igual. Qué tienen lo necesario para ser mejor que los mejores, pero a quienes el destino, el karma, el Todopoderoso los ha colocado en la “ciudad del pecado” sin una aparente razón… aunque sabemos que la emoción, el sufrimiento, el amor, la violencia, el sexo y el claroscuro son razones suficientes para tener buenas historias.
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Las buenas historias de Miller en <i>Sin City</i> provienen del gusto del autor por los clásicos de Chandler, Peckinpah y Will Eisner (<i>The Spirit</i>), por igual, pero también por la rabia que le produjo la incapacidad de comulgar con Hollywood, impidiéndole una carrera como guionista de la industria. Su huida del sueño fílmico lo llevó a construir <i>Sin City</i> como escape y como óleo de su talento y frustración. El éxito de la serie traspasa el medio y, sin que resulté sorpresivo, entre su legión de admiradores se encuentra Robert Rodríguez, autor de cine demencial, a mitad del de explotación y comercial, quien le muestra a Miller la posibilidad de llevar <i>Sin City</i> al cine como un mundo artificioso y apabullante, y para convencerlo le brinda la co-dirección del filme.
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De esa manera en 2005 se presentó <i>Sin City</i> (co-dirigida por ambos, junto a Quentin Tarantino), reuniendo varias historias previamente vistas en cómic, ahora en un sorprendente espectáculo en el que la pantalla verde sirve como página en blanco en el que la tinta que le da forma a su universo son los escenarios CGI y un elenco variopinto que ofrece una réplica sorprendentemente vistosa y lo suficientemente grotesca y exagerada para reflejar lo pintado por Miller previamente en el papel.
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Nueve años después, la dupla de Rodríguez-Miller regresa con un grupo más de historias que, como rémoras, se incrustan y pegan a <i>A Dame To Kill For</i> para redondear el círculo dramático, que ahora es elevado al 3D, aunque a México sólo –y desafortunadamente- ha llegado la versión plana. De cualquier manera, tal vez eso ha sido lo mejor, pues tanto el público como la supuesta crítica especializada parece que han sido mutilados emocionalmente, obligándolos a echar pestes de un filme igual de sobresaliente que el primero. Ya me imagino si este hubiera sido en 3D…
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Recordemos que, aunque haya espectadores que esperan encontrarse con un filme realista, este se trata de una exageración de la realidad, y la cual empapa y se enmarca en el mismo blanco y negro que termina por darle una dimensión onírica a la experiencia, y que muchos detractores diurnos no terminan de entender.
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La galería de hombres y mujeres cortados por el profundo conocimiento noir de Miller, se traslapa a la realidad y entrega un moderno mundo del hampa, que pone al día el expresionismo del crimen (instaurado por Chester Gould en <i>Dick Tracy</i>) y entrega una joya fílmica en la que el corte a rajatabla de secuencias y la serie de frases lapidarias y poéticas de Miller provenientes del cómic permiten que el género negro se afiance en el momento histórico y eleve el relato a una épica moderna.
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A la forma, se suma el elenco en el que las bellas (Eva Green, Jessica Alba, Rosario Dawson, Jaime King) y las bestias (Mickey Rourke, Josh Brolin, Bruce Willis, Ray Liotta, Stacy Keach) están interpretados por actrices y actores que ejemplifican perfectamente su alter ego en pantalla. Es decir, el Sin City fílmico lejos de una exageración es la afirmación de un mundo grotesco que nos negamos a ver.
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Hace 9 años, la aparición de <i>Sin City</i> sorprendió a propios y extraños al tratarse de un proyecto que fue incrustado en Hollywood aunque a partir de las inquietudes de dos artistas que no dieron su brazo a torcer, e impusieron su voluntad creativa creando un nuevo parangón y una manera nueva de forjar cine (<i>300</i>, <i>The Spirit</i>, <i>Watchmen</i>). Es posible que ahora ni el 3D (que busca llevar al segundo peldaño que le corresponde a Sin City) logre hacer que impacte como la primera bofetada del proyecto. Pero ese es problema de los espectadores (y su degustación maleducada que les impide valorar debidamente), y no de los dos artistas que han forjado esta joya.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-52314848572559154172014-05-15T22:30:00.000-07:002014-06-03T14:42:27.356-07:00Entrevista con Godzilla<p>
De mis archivos de lo inaudito rescato la siguiente entrevista. No se trata de cualquier entrevista (su importancia ha sido tal, que fue publicada en distintos años en las revistas <i>Planeta X</i> y <i>24Xsegundo</i>, ambas desaparecidas, desafortunadamente), sino de una con el "Rey de los Monstruos", por lo que considero que será entendible su trascendencia para rescatarla por una tercera ocasión, ahora que se estrena una nueva versión de este personaje descomunal, dirigida por Gareth Edwards. La entrevista fue realizada en el marco del aniversario 50 de este astro de la destrucción; es decir, hace diez años. Sin más, aquí está este documento.
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<b>1944.- Un dinosaurio de una especie desconocida hasta entonces, Godzillasaurus, protegió a un grupo de soldados japoneses estacionados en la isla Lagos, durante un ataque por parte de las fuerzas aéreas estadounidenses.</b>
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Hay ciertas cosas, ideas, sucesos e, incluso, rostros y personajes que no pasan de moda.
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Mientras el constante ajetreo electrónico que se desarrolla entre el CPU y el monitor de una computadora invariablemente cambian nuestra percepción y vida a distintos intervalos de tiempo, hay cosas como un taco al pastor, un episodio de <i>El Chavo del 8</i> o una película de Santo, el enmascarado de plata que, aunque pueden olvidarse por un rato e, incluso, verse y saborearse con otros ojos y gusto, difícilmente pasaran de moda pues la información que ofrece el experimentarlos es algo mítico, cuya permanencia ante el paso de nuevas modas e inventos conforma esa fuerza imperecedera conocida como nostalgia.
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A este exclusivo grupo de leyendas vivas, gracias a la energía de las neuronas, pertenece uno de los monstruos más grandes que hayan habitado la tierra barnizada de plata: Godzilla.
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Invariablemente, desde que se sacaban los mocos leyendo <i>El Sorprendente Hombre Araña</i>, los periodistas que conforman esta revista son apasionados de las brutales y explosivas aventuras fílmicas del llamado "Rey de los Monstruos", y no extraña entonces que quien escribe estas líneas haya sido el escogido para realizar la difícil tarea de buscar una entrevista que, si no iba a costarle la vida (lo cual era casi un hecho), sí le podía significar vivir el resto de su vida frito como un pescuezo de pollo ante el fuerte aliento de este dinosaurio superstar.
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<b>1954.- La isla Lagos fue destruida durante una prueba con una bomba de hidrógeno, misma que se encargó de mutar y despertar furiosamente al llamado Rey de los Monstruos, Godzilla.</b>
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Sin embargo, tras escuchar que hace algunos años un aventurado reportero dejó ir sus últimos suspiros atorado entre los colmillos de tan sobresaliente personaje (aunque se rumora que dicha suerte se debe, sobre todo, a que el colega, por principio, era estadounidense y, además, con muy poco tacto quiso acusar a don Godzilla de su desecrable versión yanqui, realizada por Roland Emerich), lo único que me atreví a hacer fue tratar de localizar a nuestro entrevistado a través de la fibra óptica.
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Tras varios mails y no menos llamadas, vía señal satelital trasmitida a través de un teléfono celular, el astro Godzilla accedió a contestar nuestras preguntas durante 20 minutos desde una isla de descanso escondida entre las Filipinas, con motivo de su aniversario de oro, precisamente este 3 de noviembre, mes en el que hace cinco décadas se estrenó en Japón la primera de una saga de cerca de 30 películas [esto fue hace diez años, obviamente].
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Antes, sólo nos gustaría recordarles que el señor Godzilla aparte de poseer una altura equiparable a la de un edificio de 30 pisos y de revelarse como todo un creyente de Dios, le gusta destruir edificios y comer gente cuando se le maltrata, lo cual lo convierte en un personaje de naturaleza y carácter… difícil. Por esta razón deseamos dedicar esta entrevista a Akk Zilio, asistente y traductor del astro de la era prehistórica quien parece que cayó accidentalmente a sus fauces mientras le ayudaba a sostener el celular para la presente entrevista. Dicho lo presente, comenzamos.
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<b>1962.- El director Ishiro Honda y el productor estadounidense John Beck se encargaron de organizar la pelea del siglo en King Kong Tai Gojira / King Kong Vs. Godzilla, la primera película en la que ambas estrellas pudieron verse en color. Se trata, tal vez, de la película más taquillera en la historia del cine japonés.</b>
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“Bueno, primero quisiera hacer una aclaración: mi verdadero nombre no es Godzilla, sino Gojira –aclara el astro. Según tengo entendido, a decir de la información científica vertida en mi segunda película <i>Gojira No Gyakushu</i> / <i>Godzilla Raids Again</i> (Motoyoshi Oda, 1955), pertenezco a la especie Godzillasaurus (sic), de ahí el nombre en America, dinosaurio del que se sabe poco y todavía menos, pues yo soy una mutación de aquella especie. Es decir, debido a las pruebas atómicas realizadas durante la segunda guerra mundial fue que desperté y en este estado. Y bueno, como podrá imaginarse, mis padres no me pusieron ese nombre ¿verdad?, pues ni los conocí; pero tengo entendido que fue Ishiro Honda, que en paz descanse, realizador de mi primera película y uno de los creadores de todo esto, quien decidió ponerme este nombre tras descubrirme. Y, según entiendo, Gojira era el mote que tenía un enorme empleado de la Toho, la casa productora de mis filmes. Si te preguntas por qué le decían así, debes saber que Gojira es una contracción de la palabra inglesa Gorilla y el vocablo japonés kijura, que en tu idioma significa ballena; ya te imaginarás entonces las dimensiones de este pobre empleado. Y bueno, tomando en cuenta las mías, mis dimensiones, fue que Honda-san decidió llamarme así, lo cual no me ha molestado en absoluto. Pero no se preocupe, puede llamarme señor Godzilla si lo desea”.
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<b>1964.- Godzilla se enfrenta por primera vez contra Mothra, una oruga superdesarrollada. Con ésta inicia la larga y divertida batalla del gran G contra diversos y descomunales monstruos japoneses (Daikaiju eiga es el término genérico para este tipo de películas, su significado simplemente es Películas de Monstruos Gigantes).</b>
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<i>Bueno, en apariencia, una entrevista a usted a estas alturas, me refiero tras medio siglo de carrera, no promete cosas nuevas, pero seguramente podrá comentarnos de gratas experiencias durante todos estos años...</i>
“Bueno, claro. Ha sido una vida de experiencias varias y muy intensas: peleas, destrucción, constantes críticas, etcétera. A Dios le agradezco haber conocido y hecho amistad con muchos compañeros de trabajo. Recuerdo con especial cariño a muchos amigos y enemigos, como Mothra, Rodan, mi querido King Kong, Ishiro Honda, a mi descubridor Tomoyiko Tanaka...
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<i>Disculpe, ¿qué acaso no fue Honda-san su descubridor?</i>
“Grrrr, bueno sí, en parte. El fue el coescritor y director de mi primer vehículo cinematográfico y de otros posteriormente, además de que a él se le debe ese fabuloso tono documental en ese primer esfuerzo, resultado directo de su experiencia como documentalista y de su conocimiento sobre la guerra, pues prestó servicios durante ocho años en el ejército japonés. No sé si lo sepas, pero Honda-san trabajó con el gran Akira Kurosawa en varias de sus películas como director de segunda unidad e, incluso, para su primera gran película <i>Norainu </i>/ <i>Stray Dog<i></i></i> (1949), un fabuloso film noir de postguerra. Kurosawa-san dijo que el éxito de esta oscura película se debe a la experiencia del propio Honda-san en la guerra. Pero bueno, Tomoyoki Tanaka presidente de la Toho y quien murió en 1997, Dios lo tenga en su gloria, fue quien pidió a Honda-san realizar una historia sobre una mutación monstruosa a partir de la contaminación radioactiva, transformándose de forma natural en una crítica a los experimentos nucleares en aquellos años e, incluso, a la amenaza radioactiva tras el hongo atómico en Hiroshima y Nagasaki”.
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<b>1977.- La Marvel Comics se encarga de realizar su primera serie en este medio, la cual contó con 24 números, y en la que se le ubica dentro del Universo Marvel.</b>
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<i>Sin duda, todas estas experiencias y las restantes en tantos años de carrera artística lo han transformado, incluso, físicamente ¿qué puede decirnos de su proceso fisionómico?</i>
“Bueno, esto no lo había dicho en 50 años, pero fíjate que antes de comenzar a filmar mi primera película, los involucrados en ella querían que actuara en cuatro patas y con una extensión en el cuello, todo por la culpa de Eiji Tsuburaya, el encargado de efectos especiales. ¡Imagínate eso! Iba a parecer una lagartijota. Pero bueno, finalmente quedé como soy realmente, aunque he de decirte que a través de los años y las películas he ido cambiando un poco… tú sabes, las estrellas nos tenemos que ir dando nuestras manitas de gato para seguir siendo gratos a la cámara de cine. Es así que en ocasiones me he visto gris, en otras rojo, verde e incluso azul; algunas ocasiones con 50 metros, otras con 80 y últimamente con 100. Y bueno, si pones atención, verás también que ya no estoy igual de chato que en 1954.
Tienes tiempo para una última pregunta”.
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<b>1998.- Godzilla se somete a una profunda cirugía plástica para protagonizar su versión estadounidense, dirigida por el alemán Roland Emerich. Sin duda, se trata del punto más bajo de su carrera y del cual aún no se ha recuperado.</b>
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<i>¡Uuuy! Pues tenía como veinte más... pero bueno, quisiera me dijera cómo va a festejar este importante aniversario.</i>
“(Suspiro) ...mira, me encantaría poder compartir nuevamente un estelar con Kong-san, pero hay que ver cómo cambia el dinero a la gente (sic), sobre todo ahora que de nueva cuenta protagonizará su historia, bajo la dirección del gran Peter Jackson: ¡está insoportable! [esto, obviamente, fue dicho en vísperas del estreno del remake dirigido por el realizador de <i>Bad Taste</i>]
Pero bueno, no me quejo. La Toho y yo hemos decidido que llegó el momento para alejarse de los reflectores durante un buen rato. ¿Cuánto tiempo? No lo sé. Pero no te preocupes, pues antes de que esto suceda, se estrenará mi última película <i>Godzilla Final Wars</i>, una historia espectacular en la que hemos echado la casa por la ventana. En serio, será algo absolutamente sorprendente que dirigió Ryuhei Kitamura, el genio detrás de <i>Versus</i>, esa puesta al día de muertos vivientes y samuráis que tanto éxito ha tenido. Supongo que en el continente americano la podrán ver el próximo año”.
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<b>2014.- Godzilla protagoniza de nueva cuenta un filme dirigido por un director angloparlante, aunque en esta ocasión parece que el "Gran G" no se avergonzará.</b>
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Tras terminar de decir esto, el popular saurio se disculpó en un inglés perfecto, y tras un ruido indescriptible la llamada se cortó. Hemos sabido que en vísperas del estreno en Japón de <i>Godzilla Final Wars</i>, el "Rey de los Monstruos" ha protagonizado un escándalo en el que la familia de Akk Zilio lo acusa de asesinato premeditado, aunque el descomunal actor ha dicho que su supuesto mal genio solamente es parte de su método actoral para alcanzar los niveles requeridos de veracidad.
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Suerte y felicidades, mi querido Gojira.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-86931774321019365192014-04-20T11:20:00.003-07:002014-04-29T11:10:04.599-07:00La Danza de la Realidad y Spider Man 2, Rise of Electro: Alexandro Jodorowsky y Stan Lee, conspiradores de la imaginación<p>
La primera ocasión que tuve oportunidad de entrevistar a Alexandro Jodorowsky, me comentó que poco antes había estado comiendo con Stan Lee: "(...)estuvimos platicando como amigos. ¡No hablamos de proyectos! Me estuvo diciendo que me admiraba mucho y yo le dije que lo admiraba mucho por el Hombre Araña. Pero nada más, porque yo soy lo antiamericano. No contra el país, sino contra su estilo”.
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El par de artistas, de genios creativos, nace en los años 20 (Lee en 22 y Jodorowsky en el 29). Ambos son descendientes de familias judías, uno de rumana avencidada en Nueva York, otro de rusa avencidada en Tocopilla, Chile. Ambos han hecho lo que pocos, han triunfado como pocos, han generado ideas y productos que han transformado la industria del arte y el entretenimiento, y hoy día se les respeta, aunque nuevas y viejas generaciones parecen olvidar lo que han hecho y valoran su figura únicamente a partir de su última etapa, descontextualizada de un todo y un proceso alucinante e inigualable.
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Hoy, en México, podemos ver un par de filmes alucinantes provocados por el pensamiento y obra de estos autores: <i>La Danza de la Realidad</i> (Alexandro Jodorowsky, 2013) y <i>Spider Man 2, Rise of Electro</i> (Marc Webb, 2014). El primero un filme independiente producido con el apoyo de tres mecenas (uno francés, uno mexicano y otro chileno/japonés) y la vaquita de gente común y corriente que, mínimo, sumo 750 mil dólares a través de donaciones vía internet. El segundo es un filme producido por Columbia Pictures y Marvel Studios, con un presupuesto mayor a los 200 millones de dólares.
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<i>La Danza de la Realidad</i> es una obra que llevaba gestándose ya varios años; un proyecto para el cual Jodorowsky encontró que la única manera de hacerlo era por la vía de la cooperación para un fin propio para el cual, finalmente, todos los involucrados estuvieron de acuerdo. Se crítica a Jodorowsky de onanista y charlatán; lo primero nunca lo ha negado, y la segunda crítica es una cuya razón sigo sin entender cuando estamos ante una obra francamente extraordinaria. Dichos exabruptos, por tanto, sólo puedo explicarlos como opiniones de onanistas fracasados.
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<i>La Danza de la Realidad</i> es, hasta el momento, me parece, la autobiografía absoluta. Gestada como memoria escrita publicada en 2001, brinca a la pantalla grande (ya no al celuloide) con base en el esfuerzo primordial del propio autor y el de su familia y amigos, y al que se suma el de miles de personas que apoyan la obra de Jodorowsky. Como su vida y recuerdos, el filme <i>La Danza de la Realidad</i> es una memoria en la que el dato comprobable y la creación fantástica tienen el mismo peso y trascendencia, uno parece otro, y es imposible separarlos.
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Como toda la obra de Jodorowsky, <i>La Danza de la Realidad</i> es un acto revolucionario de bondad y descubrimiento en tiempos de cinismo y perdición. El Jodorowsky viejo de hoy que guía y entiende al Jodorowsky niño en pantalla es uno que no ha sido sacado de la manga hoy mismo, es uno que ya desde la memoria escrita nos dijo ver en sus años tempranos. Como en todo gran acto de magia, el tiempo y el espacio se dislocan permitiendo que el principio y el fin se encuentren y comulguen en un gran círculo que busca la inconseguible verdad.
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La vida temprana de Jodorowsky en Tocopilla es la del extraño en una tierra extraña, que tiene que buscarse su lugar con base en crear o acomodar su propia realidad en la ya existente. Como bien lo dice en la memoria escrita, el periodo retratado en el filme abarca unos diez años que en unas cuantas páginas (alrededor de cuarenta, y en el filme se reduce a dos horas) resulta algo poco menos que increíble, pero recordemos que se trata del resumen de lo más extraordinario, y vaya que lo es.
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Así, <i>La Danza de la Realidad</i> compone un mosaico de actos pánicos tempranos que transformaron la vida de este artista, y cuyo recuento inquieta y trastoca la de los espectadores. En el filme tienen que ver tanto el estilo de Fellini como el del propio Jodorowsky; así, es natural la presencia del autor italiano cuando se habla de autobiografía en el cine, sobre todo si se trata de Jodorowsky, de quien Fellini llegó a decir que era su heredero. Como toda la filmografía de Jodorowsky, este filme está pleno de imágenes e ideas extraordinarias sin precedente.
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El filme <i>La Danza de la Realidad</i> cubre apenas 10 por ciento de lo escrito por Jodorowsky en su libro de memorias (y aún así, de ese mismo 10 por ciento, quedaron fuera cosas tan extraordinarias, como su encuentro con el mítico mago mexicano Fu Manchu o su construcción de un elefante con píldoras de mocos), queda entonces un largo trecho por cubrir que no sabemos si llegue darse.
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En 1962, junto con Steve Ditko, Stan Lee creó a Spider Man. Lee quería escribir la “gran novela americana”, y lo “único” que logró hacer fue cocrear el Universo Marvel y construir una mayor cantidad de historias inolvidables que la de cualquiera de los llamados grandes autores de la narrativa del siglo XX. Con Spider-Man logró, tal vez, el epítome del hombre común en dicho siglo: atormentado y en busca del bien a toda costa.
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La saga de Spider Man que desde aquel año ha sido continuado por una cantidad innumerable de autores en más de mil episodios se encuentra incrustada en la memoria de millones de lectores, y ahora espectadores del cine y su presencia en distintos medios audiovisuales. Como sucedió con la reciente saga de Batman en cine (la dirigida por Christopher Nolan), esta nueva saga de Spider Man tuvo que dar un primer paso inseguro y muy accidentado, para finalmente consolidarse en esta segunda entrega.
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Aunque me parece que el corte trágico de los personajes principales está mucho más logrado en la primera saga dirigida por Sam Raimi, en este segundo capítulo de la dirigida por Webb la sucesión de hechos y la eterna presencia de la ley de Herodes en la vida de Peter Parker terminan por volcar este filme en un drama de dimensiones épicas que muestran claramente la fuerza y trascendencia que llevaban las ideas de Stan Lee (en este caso, junto a las de Gerry Conway, guionista que construyó la trágica resolución de Gwen Stacy). De igual manera, el pastiche dramático armado por los guionistas Alex Kurtman, el defeño Roberto Orci y Jeff Pinkner, me parece que es el ejemplo perfecto de lo que es una historia de superhéroes balanceada de manera quirúrgica y genial para llevar como una montaña rusa hacia el nirvana de emociones, pasando por los estados necesarios de la experiencia idónea.
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El 3D en este filme se muestra, finalmente, como un ejemplo irrefutable de la dimensión que a ciertas historias puede brindar una capa mayor de hiperrealismo a su increíble naturaleza. El batir de los brazos de Spider Man sostenido por sus telarañas entre los edificios neoyorkinos, en caída libre o expulsado hacia la estratósfera, es igual de extraordinario que el festín de gaviotas con millares de peces expulsados por un mar embravecido en <i>La Danza de la realidad</i>. Hiperrealismo igualando a surrealismo.
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Volviendo al drama de Peter Parker: ver uno de los momentos base de la saga de este personaje -sin más y sin ser spoiler-, La muerte de Gwen Stacy, nos da la oportunidad de sopesar la trascendencia del arte pop en el siglo XXI que, sin dejar de serlo, nos permite sobrepasar su naturaleza masiva y extirpar la esencia que se encuentra en toda gran obra: genio y oficio, eso es lo que hay en las mejores historias del trepamuros.
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Dos polos opuestos en <i>La Danza de la Realidad</i> y <i>Spider Man 2, Rise of Electro</i>, lo americano y lo antiamericano, lo independiente y lo masivo. Pero detrás de ellos se encuentra una misma energía por innovar a partir del descubrimiento. Las dos entidades creativas detrás de ambos esfuerzos nos han entregado lo mejor de ellos, y sólo nos queda agradecerles por ello y esperar a que lo aprovechemos de la mejor manera. Por lo pronto, este es un momento para celebrar con los sentidos en la sala de cine.
Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-72429073606364865132013-12-27T11:19:00.001-08:002013-12-27T11:19:14.329-08:00Entrevista con Rafael CorkidiA Rafael Corkidi tuve la fortuna de entrevistarlo en septiembre de 1999, para el diario unomásuno, como parte de un evento que se realizaría en el Centro Nacional de las Artes. Tenía mucha inquietud por preguntarle de su trabajo con Jodorowsky y de sus propias películas, pero simplemente me dijo que de eso no quería hablar, que quería dejarlo en el pasado. Entre Jodorowsky y Corkidi existió una fuerte pugna sobre la autoría de muchas secuencias de los filmes del cineasta chileno; sin duda, filmes como <i>Fando y Lis</i>, <i>El Topo</i> y <i>Holy Mountain</i> no habrían sido tan impactantes sin el trabajo de Corkidi en la fotografía.
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Así, esta entrevista no aborda dichos temas, se centra en el trabajo de Corkidi con el video, como una alternativa a la excluyente industria fílmica. Queda ahí, como un documento que presenta ciertas opiniones de un artista de reales ideas independientes, y sirva hoy como un recuerdo ante el pequeño homenaje que se le brindará en Masacre en Xoco 2013. Mantuve el tiempo presente de la entrevista sólo por cuestión histórica pero, obviamente, esto pertenece a un pasado en el que aún vivía este gran cineasta, muerto apenas hace unos meses.
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Han pasado ya más de 30 años de la explosión Pánica en el cine, de aquellas obras vanguardistas y de ruptura que Alexandro Jodorowsky orquestó al lado de varios compañeros afines y destacables. Un gran sello de aquellos filmes fue la fotografía que los acompañó. Obra de Rafael Corkidi, las imágenes de <i>Fando y Lis</i>, <i>El Topo</i> y <i>La Montaña Sagrada</i> trascendieron los parámetros establecidos por la industria nacional y formaron una nueva corriente que comenzó a establecerse en la subsecuente obra fílmica de Corkidi.
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Sin embargo, con la realización de Deseos, último largometraje de Corkidi, las dificultades que salían al paso de cada producción y exhibición de las obras mencionadas se recrudecieron en varias experiencias que incluso llevaron al realizador a la cárcel, dejándolo con la idea de buscar libertad en otros medios.
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“Mi encuentro con el video fue la solución que buscaba ante todas las limitaciones que tuve en el cine. Definitivamente, mi paso por el cine fue uno de los momentos más importantes de mi vida, pero este se vio truncado porque era difícil hacer las películas y, más aún, era exhibirlas”, Rafael Corkidi comenta con la experiencia como videoasta, alejado totalmente de las posibilidades del celuloide.
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“Creo que el paso de cineasta a videasta fue lógico, un paso matemático en un país donde no hay cine. De nada sirve hacer cine si no hay dónde exhibirlo. El cine en Latinoamérica se ha vuelto como un proyecto utópico. El video, por otra parte, es un arte posible, un arte de verdad, factible. Además, creo que ambos son muy parecidos, pues tanto video como en cine lo que un director busca es contar una historia”.
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“El cine en México no tiene un verdadero apoyo, aunque no creo que sea sólo en México donde suceda esto, pues en todo el mundo el 90 por ciento de la programación la conforman producciones hollywoodenses, siendo el 10 por ciento la reunión del resto de países. En el cine tuve muchos enemigos y carencias, y ahora en el video todo depende de lo que yo decida, estando en igualdad de circunstancias que en otras partes del mundo”.
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Trabajando intensamente con el video desde inicios de la década antepasada, Rafael Corkidi ha sido uno de sus más importantes impulsores en el país. En 1986 convocó a la Primera Muestra de Videofilme; en 1990 fue organizador de la Primera Bienal de Video, y hoy preside (en septiembre de 1999) el jurado de los trabajos que participan en el Festival de Video y Artes Electrónicos Vide@rte, en la Sala Luis Buñuel del Centro de Capacitación Cinematográfica.
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Para Corkidi, quien ha formado varias generaciones de videoastas y ha estudiado este medio a través de su trabajo magisterial en la Universidad de Guadalajara y ahora en la Universidad de las Américas en Puebla, la única diferencia entre el cine y video es el proceso de este último para la convocatoria y notoriedad entre las instancias culturales, pues aunque hay poco apoyo cuenta con mayores posibilidades.
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“El video es posible sin apoyo; el cine, en cambio, no existe sin él. Además, existe el problema de los muy mal formados sindicatos; la televisión ha matado al cine y al teatro porque se ha llevado a los actores y los ha convertido en malos actores, entre otras cosas que en algún momento tuvimos y que ahora se han perdido”.
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“Si en este momento decidiera hacer una película tardaría, más o menos, dos años en comenzar; y en cambio, si decido hacer un video, mañana mismo inicio. No es tanto la prisa, sino la posibilidad”.
El video, asegura Corkidi, ha mejorado la técnica y la práctica del cine, al grado de que hoy día muchos realizadores se apoyan mucho en el video.
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“Los grandes cineastas del momento utilizan constantemente el video; no sólo la parte virtual de éste, sino también la parte práctica, en la edición y el sonido. El video ha posibilitado a todos, en este momento (Francis Ford) Coppola, yo o tú podemos estar haciendo un video con las mismas herramientas, aquí o en Nueva York”.
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“La tecnología del video está mucho más avanzada que la del cine. Primero, el cine es un proceso mecánico, y el video es un sistema electrónico que le da unos 50 años de ventaja. Mucha gente dice que el video no tiene la calidad del cine, y ahí entra una gran discusión y difusión, porque en ese aspecto cada una tiene su característica. Si se discutiera cuál tiene más calidad, entonces podemos pensar y discutir, pues la definición del video está definida por un señor que se llama Sony, y que cuando decida mejorarla lo hará. Pero esto no es algo que nos deba preocupar, porque no está en nuestras manos”.
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El realizador ha encontrado en el video que la oposición que encontró en el cine se revierte, pues ofrece ventajas en mayor medida: es económico, inmediato, con libertad y democracia.
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“Es difícil saber el camino que seguirá el video, porque es el arte más joven del mundo. De tal forma, creo que el trabajo que estamos realizando es para contestarnos esa pregunta. Por mi parte he encontrado que lo que podemos hacer en el video, y que no puede hacerse en el cine –no porque no se pueda, si no porque nadie lo ha hecho- son el video político-social y el erótico. Yo hago lo que quiero y puedo dentro del video; de tal forma que se lo que haré mañana”.
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Con cerca de 30 videos de larga duración, que componen una obra llena de símbolos religiosos en busca de libertad y de trabajo social en forma de docudrama -con personajes como Rosario Ibarra, Heberto Castillo, Federico Silva y Benita Galeana, entre otros-, Rafael Corkidi parece que encontró su voz, asegurando que ya no piensa abandonar el video o cambiar por el cine.
Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-20356740579821053472013-09-30T10:38:00.004-07:002013-09-30T11:15:41.189-07:00Cuando José, el Enterrador llegó a México<p>
Como ya se ha discutido considerablemente durante los últimos días, durante cerca de cuatro décadas José Mojica Marins y su filmografía fueron desconocidos para el resto del mundo (en los 70 visitó Sitges, y en Brasil llegó a ser mucho muy popular, pero a partir de los 80 pareció que en su nación querían que su obra fuera olvidada). Con el siglo XXI la cosa comenzó a cambiar, y fue así que sus filmes más importantes comenzaron a editarse en DVD e, inclusive, sucedió que en 2008, cerró su trilogía de Zé do Caixao de manera fenomenal con la extraordinaria E<i>ncarnação do Demônio</i>.
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En México, de manera inusitada, Once TV programó en 2002 tres filmes de Mojica Marins, así como el documental <i>Maldito - O Estranho Mundo de José Mojica Marins</i>, de André Barcinski e Ivan Finotti, una pieza importante para el reconocimiento final de este cineasta cuyo pensamiento y obra, sin duda, componen lo necesario para considerearsele malditos.
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Para dicho evento, primero que permitió el visionado para el público mexicano de la obra de este autor (tuve la fortuna de ver dichos filmes meses antes, gracias a que mi hermano tuvo a bien traerlos de Los Ángeles en un viaje de trabajo), realicé una entrevista vía email, con Ivan Finotti, para el diario <i>unomásuno</i>. La información obtenida no es la más extensa ni extraordinaria, pero ahí queda registrada para recordar el primer paso de la mente de Zé do Caixao por tierras mexicanas, a quien podremos rendirle pleitesía durante la Segunda Edición del FERATUM FILM FEST, del 3 al 6 de octubre en Tlalpujahua, Michoacán; y el martes 8 en Cineteca Nacional. El texto publicado en su momento en el diario, después de la siguiente imagen.
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A nadie extraña que a México nunca lleguen algunas películas e inclusive que las filmografías de cineastas continúen siendo desconocidas. Que no sean comerciales o que no despierten el interés de distribuidores nacionales, son razones comerciales suficientes para que la dieta fílmica en el país esté compuesta en su mayoría por producciones hollywoodenses.
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Casi el colmo de esta ignorancia fílmica es la historia de un director brasileño que tras casi 40 años de carrera fílmica continúa siendo materia de los verdaderos iniciados en su arte, e incluso sus películas siguen siendo inaccesibles en propio país. Y aunque parezca contradictorio, México a partir de hoy será uno de los pocos países que haya presentado un ciclo de este realizador –tal vez el único en alguna televisora-, sobre todo, en televisión abierta. Pues hoy, a las 10:30 de la noche, y durante los siguientes tres sábados, Once TV proyectará tres películas (y un documental) de José Mojica Marins, mejor conocido por su alter ego Zé do Caixao (Coffin Joe).
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Con la proyección de <i>¡Maldito!: El extraño mundo de José Mojica Marins</i> (Coffin Joe: the strange world of José Mojica Marins), realizado por Andre Barcinski e Ivan Fonetti, el espectador mexicano será introducido al, literalmente, surrealista y excesivo mundo artística de este creador, caracterizado por sus largas uñas, su barba y sombrero de copa, así como por contar con una de las vidas artísticas más excéntricas.
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En entrevista, Ivan Finotti habló sobre su experiencia tras conocer a Mojica Marins, a partir de la realización del documental mencionado, que resultó ganador en el Festival de Sundance de 2001.
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“(Andre) Barcinski era un gran fan de Coffin Joe desde los años 80. Yo supe de él a partir de su afición, y posteriormente lo conocí personalmente con la realización del documental. Él realmente es una persona muy extraña: a razón de sus largas uñas debíamos contarle la comida para que pudiera tragarla; incluso teníamos que ayudarle a subirse el cierre del pantalón. Eso estaba atrofiando realmente sus manos, pues ya casi no las movía por el peso y la forma de las uñas. Pero no se las cortaba porque la gente lo contrataba para distintos espectáculos, y sus uñas era lo que causaba interés. Y así fue durante buena parte de los 70 y los 80”.
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Barcinski supo de la obra del director cuando acudió a la proyección de <i>El despertar de la bestia</i> (O Despertar da Besta, que será proyectada en el ciclo de Once TV) en 1985, película que permaneció enlatada desde principios de los años 70, cuando fue realizada. La revelación de un autor apareció ante los ojos de Barcinski, quien comenzó a buscarlo y finalmente se encontró con un hombre alcohólico y poco agradable, de quien poco después se hizo su amigo.
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“Ahora, la obra de Mojica Marins es un poco más respetada en Brasil, tras su éxito fuera de sus fronteras, aunque continúa siendo difícil ver su filmes. En EU se editaron en DVD tres de sus películas (por Fantoma, sello que también ha publicado <i>Fando y Lis</i>, de Alexandro Jodorowsky) y nosotros aún no podemos hacerlo. También allá editaron 13 películas en VHS (por Something Weird) a principios de los 90, y diez años sólo cinco de ellas han sido estrenadas en Brasil. De cualquier forma, mucho cine brasileño ha tenido muchos problema, sobre todo debido a la censura y la forma en que el gobierno dictatorial vio al cine”.
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“Mojica Marins ha dirigido 31 películas –continúa Finotti-, las primeras de ellas fueron pornográficas y se trata de filmes como <i>24 horas de sexo explícito</i> (1985), para la cual consiguió a la docena de mujeres más espantosas que pudo conseguir para hacer el trabajo. En su etapa de decadencia, durante los 80, realizó tres película pornográficas más”.
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Zé do Caixao (Coffin Joe) surge en 1963 con la película <i>A meia-noite levarei sua alma</i> (A media noche tomaré tu alma), en la que este personaje se presenta como un verdadero sátiro que bajo amenazas y vejaciones, aterroriza a todos los habitantes de un pequeño poblado, pues está en busca de la mujer perfecta para continuar con su extripe. Sin embargo, parece que el mal que ha hecho en el pueblo se le revertirá de manera sobrenatural.
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Así fue como nació Zé do Caixao, y las particulares inquietudes fílmicas y artísticas de Mojica Marins, quien fue a contracorriente de la crítica que aplaudía el ‘cinema novo’, y que en las historias de violaciones, posesiones, abusos de drogas, necrofilia, tortura, canibalismo, asesinato y otras temas tabú que su cine abordó, hizo creer a la crítica que se trató de una mente enferma con poco talento.
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Pero a pesar de que el cine de Mojica Marins compone un cine de ruptura, apoyado fuertemente en el sentido sensacionalista de su personajes, esas características ofrecen una de las visiones más auténticas y críticas en su momento. El cine de este realizador no permite concesiones dramáticas y, a pesar de la fuerte censura sufrida en Brasil, arremetió contra las creencias y las leyes, contra las fuerzas de poder y la misma sociedad. Mojica Marins se convirtió en un animador de su sociedada partir de la explotación de lo más brutal de ella misma y que durante cierto tiempo lo convirtió, inclusive, en una especie de boggeyman, coco, que era citado por las madre para asustar a los niños malportados.
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En su momento álgido, a parte de sus 31 películas, fue presentador de distintas series de suspenso y terror en la televisión brasileña; grabó discos; le compusieron su propia canción; escribió sus propias historietas en las que él mismo era el presentador, y varias cosas más, hasta que el ocaso llegó.
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El documental que se transmitirá por Once TV habla de esto, además de presentar filmaciones inéditas y relatos de voz del propio Marins; mientras que las películas que se programarán conforman la trilogía más importante del realizador [además de su primer filme como Zé de Caixao y el documental, se transmitieron el segundo de la trilogía, y O desperatr da Besta. Seis años más tarde de este ciclo, Mojica Marins realizaría el brillante cierre de la trilogía, que en México pudo verse en la edición del Festival Macabro en 2009, y cuyo comentari pueden leer en este mismo <a href="http://ojosmasqueabiertos.blogspot.mx/2009/08/encarnacao-do-demonio-el-demonio-no-ha.html">espacio</a>].
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“Son sus mejores películas, las filmó con los conocimientos que él mismo aprendió. Nunca tomó clases o leyó libro alguno sobre cine. Sus primeras cuatro o cinco películas están hechas con esa percepción, y por eso son únicas. Después de eso conoció a otros realizadores, vio muchas películas modernas y fue influido por ellas. Fue una lástima”, agrega Finotti.
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El reciente visionado de cine en salas hechas y derechas, así como a través de formatos clandestinos, me ha permitido ver casi puras experiencias fílmicas de refritos, puestas al día y demás maneras de continuar explotando fórmulas ya sobadas o aún inacabadas, a según la opinión de cada uno. Me he encontrado con algunas cosas sorprendentes y con otras no tanto, pero no puedo negar que me he divertido.
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<b>Maniac</b> (Franck Khalfoun, 2012)
No puedo decir, de hecho, que hasta el momento haya visto bien esta película, pues la experiencia fue a partir de una copia clandestina con un subtitulaje desincronizado y casi no lineal ¡a partir de un doblaje de algún país balcánico!... una de esas cosas extrañas e inexplicables que suceden en el mercado del cine clandestino. El caso es que, fuera de estas condiciones, la película tampoco resultó sobresaliente. En 1980 el cineasta William Lustig y el actor Joe Spinell presentaron al mundo el filme en el que este remake se basa, se trató de un ominoso, original e impactante filme que casi en primera persona dramatiza el ocaso de Frank Zito (ah, cómo me gusta ese nombre), un asesino en serie neoyorkino cuya necesidad parece surgir ante el recuerdo de una madre abusiva y que sumado a su oficio como prostituta lo marcó de por vida. El tono introspectivo del filme y la enrarecida atmósfera y diseño logrado por Lustig y su equipo, crearon un parangón de la culpa y el sufrimiento fílmico que hicieron de la actuación de Spinel algo inolvidable, marcado por los severos e inigualables efectos de maquillaje compuestos por el maestro Tom Savini. En el remake, aquel tono introspectivo es definido absolutamente por la cámara que marca el punto de vista del asesino, interpretado por Elijah Wood (creo que a leguas un miscast), una decisión interesante aunque a ratos parece demasiado obvia. Y es así que el asunto en esta nueva versión se torna demasiado obvio, pues la narración en primera persona, en una época cuando el asesino en serie está más que definido y opinado, es casi chocante y llena de lugares comunes. La lograda y amenazante puesta en escena del original (compuesta por un grupo de creadores neoyorkinos que conocían bien su entorno) se convierte en algo artificioso y hueco en este remake (producido y realizado por un grupo de cineasta franceses, con Alexander Ajá a la cabeza, aunque con la anuencia del propio Lustig) resultando casi en una caricatura. Si en la original un elemento importante y definitorio lo fueron los efectos de maquillaje, en el remake no podían dejar de serlo; se trata de un trabajo bien ejecutado, aunque carente del impacto y los alcances de violencia como en el original. A pesar de todo, la secuencia en la que aparece el título del filme difícilmente será olvidada por su impacto, y es interesante y casi sensible ver que quienes se encargan de esta labor son los artesanos de la KNB, cuyos fundadores se iniciaron en la industria como aprendices del propio Savini. El filme, sin duda, fue hecho por cineastas fanáticos del género y con respeto por el original. Desafortunadamente en muchas ocasiones no basta con las buenas intenciones para lograr algo meritorio. Y, de cualquier forma, resta que vea en buena condiciones esta película.
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<b>Texas Chainsaw 3D</b> (John Luessenhop, 2013)
Para mala fortuna de esta producción, los exhibidores o su distribuidora en México decidieron estrenarla una semana después del remake a Evil Dead, lo que ofreció pocas posibilidades de que la viera un público nutrido. De cualquier forma, quién sabe si habría asistido un mayor público cuando este se deja llevar fácilmente por los prejuicios y los comentarios infundados de de arribistas y ‘especialistas’ de generación espontánea. A pesar de que no se trata de una maravilla, esta secuela a la obra maestra original de Tobe Hooper resulta un entretenido vehículo del género, en el que nadie se avergonzó en explotar las dádivas del mismo y del formato 3D (aunque, igualmente, creo que lo podrían haber explotado mucho más). Arrancando inmediatamente después del filme que inició esta saga (resumido durante la secuencia de créditos iniciales, para la cual se reformatearon deliciosamente a 3D algunas escenas), la historia toma como excusa la existencia de un miembro desconocido de la familia de caníbales (aunque rescatado truculentamente, pero haciendo buen uso de las posibilidades narrativas), separado tras una masacre a muy temprana edad, y cuya herencia reencuentra a este personaje con su pasado veinte años después. Ese joven miembro de la familia es una preciosa jovencita (Alexandra Daddario) quien tras anunciársele de la nada que es la única heredera de una mansión en Texas, acude al encuentro de su pasado y de un asesino con sierra de motor en mano que resulta ser su tío. La historia está hilada y presente para la explotación simple y llana de los mitos creados por Hooper y Kim Henkel en una manera entretenida y efectiva. Enfrentar una sierra que es arrojada hacia nuestros ojos u otra que parece rebanarnos la cara, sumada a violencia gratuita de fantasía y rostros y cuerpos bellos, se agradece en un filme que busca tan sólo entretener.
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<b>John Dies at the End</b> (Don Coscarelli, 2012)
Tras ver John Dies at the End, uno como espectador entiende que a Don Coscarelli le gusta lo barroco y, además, le queda muy bien. Recuerdo con felicidad que en un documental sobre <i>Phantasm </i>(1979), aquel gran primer filme fantástico de este realizador, comentaba que su influencia para aquella alucinante historia de esferas asesinas voladoras y enanos emigrantes clandestinos asesinos de otra dimensión era producto de su interés por la corriente surrealista. Ya sabiendo eso, sus alucinantes historias cobran más lógica… por decirlo de cierta forma. Y un filme como JDATE, sólo pudo ser construido por una mente talentosa y con la capacidad para comprender y narrar no únicamente de forma lineal. Basado en la novela del mismo nombre escrita por David Wong, el filme presenta una aventura de un par de jóvenes que vía una droga extraterrestre entran a un submundo producto de otra dimensión y que los convierte en investigadores de lo extraño. En el metraje de esta producción se nota en ocasiones lo complicado que debió ser transportar al celuloide una historia plagada de vueltas, personajes y situaciones sorprendentes e inesperadas; es decir, hay momentos que se nota no llegaron a concretarse del todo, aunque esto no impide que se trate de una película alucinante y divertida. Coproducido por Paul Giamatti (quien, según dice en una entrevista para la revista Rue Morgue, buscó trabajar con el realizador desde que vio <i>Bubba Ho-Tep</i>, previo largo de Coscarelli a este), el filme es completamente solvente, y es una aventura que parece implicar una transición de los géneros y temas, pues si hasta hace unos años una aventura un tanto ‘juvenil’ aún remitía a clásicos de aventuras y pulp fiction, esta obra remite ya a autores más ‘postmodernos’, como Cronenberg, Romero, Barker, William Gibson o Grant Morrison. Un gran filme que merecería el éxito masivo y convertirse en la saga que busca ser.
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<b>Stoker</b> (Park Chan-wook, 2012)
Aunque no han faltado comentarios insensatos que aseguran que este se trata de un filme fallido, además de que supone la prostitución de Chan-wook ante la industria gringa, Stoker implica un thriller inolvidable. El filme está producido por los hermanos Ridley y Tony Scott y escrito por Wenworth Miller (protagonista del melodrama carcelario Prison Break). Sin chistar puede decirse que la anécdota del filme es poco menos que vulgar: una madre y una hija (Nicole Kidman y Mia Wasikowska) cuyas vidas fueron trastornadas por la muerte del esposo y padre, y que comienzan a ser trastocadas de nuevo con el regreso de un tío extraño quien, además de traer una fuerte tensión sexual al triángulo que conforman, despierta una pulsión genética que parecía haber estado dormida en la sobrina. Eso, entonces, corre con la suerte de encontrarse con un cineasta del calibre del coreano y se convierte en una obra audiovisual de belleza apabullante; un ejercicio de estilo y narrativa en el que los recuerdos invaden el orden de la narración en un vaivén que se viste con detalles (una colección de zapatos del mismo modelo que han ido cambiando de número a cada año, transiciones entre secuencias de una imaginación inexplicable, una metáfora acerca de la caza que manifiesta la naturaleza de la sobrina y el tío), y que terminan por construir al filme y que son obra del cineasta, como comentó en una entrevista para la revista Diabolique. Apenas con 12 millones de dólares de presupuesto (un cacahuate, en comparación a los presupuestos de filmes modestos en la actualidad hollywoodense que difícilmente permanecen por debajo de los 20 millones), Chan-wook logra un filme de belleza inigualable y que sobresale como algo personal, a pesar de que en la inspiración para el guionista confluyeron Hitchock y el <i>Drácula </i>de Stoker, de ahí el título.
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<b>Star Trek: Into Darkness </b>(J. J. Abrahams, 2013)
Hay que ser realistas: en este mundo no todos fuimos, somos o seremos treekies. Como le sucedió a todo niño o adolescente (supongo) me chuté algunos capítulos de la <i>Star Trek</i> original, de la New Generation, vi algunas películas en cine (creo que incluso la celebrada <i>Wrath of Khan</i>, dirigida por Nicholas Meyer), y la primera del reboot de Abrahams me pareció endiabladamente entretenida. Pero nunca pensé que Star Trek: Into Darkness fuera a gustarme tanto como sucedió. El filme presenta los conflictos internos y externos de un drama épico, la aventura y la acción necesaria para disparar los resortes esperados en el público; es decir, no se trata más que de un vehículo de entretenimiento puro, pero cuando sus creadores lo hacen con pleno conocimiento y oficio, esto puede tratarse de una obra maestra. Desde la secuencia inicial (que no dejó de ser vertiginosa, a pesar de que ya nos la habían proyectado como adelanto previo durante las funciones de The Hobbit) el filme evoluciona en una escalada de eventos que casi llevan a la taquicardia, y que al llegar casi al límite se arrojan en uno de los descensos más demenciales e intensos de los que tenga en mi memoria fílmica. Esa caída de la nave Vengeance, estrellándose sobre San Francisco y entregando a su demencial y casi admirable piloto Khan de pie ante una amenazada humanidad, es una arrojada aventura que sirve como metáfora del mismo logro de este filme: arrojarse a la aventura, pero no para morir, sino para capturar y reproducir la experiencia en pantalla.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-38479118298534614922013-04-06T11:38:00.002-07:002013-04-06T11:39:12.166-07:00EVIL DEAD (Posesión Infernal), de Federico Álvarez<p>
<i>The Evil Dead</i>, filme conocido desde hace 30 años en México como <i>El despertar del Diablo</i>, conjura extrañas pasiones y emociones en un grupo de espectadores que año con año continúa creciendo.
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<i>The Evil Dead</i> es un filme peculiar: fue realizado en distintos momentos durante un periodo de cinco años (entre 1978 y 1982), por un grupo de cinéfilos comandados por Sam Raimi, con tan sólo 300 mil dólares conseguidos de distintas partes, con la idea de hacer un filme de horror (aunque la musa de sus creadores era más bien la comedia slapstick) y creando una de los ficciones más salvajes que se hayan visto en la pantalla de cine. <i>The Evil Dead</i>, así, en poco más de 80 minutos de metraje compone un festín de sangre (en diversos colores), amputaciones, escenas inolvidables, energía e inteligencia aún pulsante en celuloide. O se le ama o se le odia. Una tortura sensorial o una comedia extraña.
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Los que la amamos y reverenciamos, creemos que es una de las grandes obras de arte del medio fílmico. Es movimiento e imaginación fílmica desbocados como no se había visto hasta ese momento. Por ende, es un diamante en bruto. Como tal, único y e inigualable. Intentar hacer una copia, sería aberrante y absurdo. No obstante tuvo hermanas: una secuela que prácticamente la iguala, y un tercer capítulo que es muy divertido y reverencial. Pero una nueva versión resultaba impensable.
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Desde hace unos diez años, sin embargo, el propio Raimi (junto a Bruce Campbell y Robert Tappert, coproductores del filme, y el primero protagonista del mismo) había intentado conjurar lo necesario para recontar su gran historia para la actualidad. Recuerdo que entre los directores que Raimi deseaba contratar estaba Takashi Miike, quien para decepción de medio mundo, dijo que no estaba interesado.
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Y así, llegamos al 5 de abril de 2013. Día del estreno del buscado remake, bajo la dirección de un debutante en el largometraje: Federico Álvarez, incipiente cineasta uruguayo que con la ayuda de un cortometraje de una invasión de robots gigantescos impactó a medio mundo por internet, entre cuyos espectadores parecieron encontrarse Raimi, Campbell y Tappert
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Y pues aunque creo que fuimos varios los que sentimos un gancho al hígado cuando supimos que el remake a una de nuestras historias más queridas quedaba en manos de un director debutante, el trío de productores y creadores parece que mostraron muy buen ojo en su decisión.
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Las tres décadas que separan al remake de la original no sólo están marcadas y trastocadas por el salto del cine orgánico al análogo; también las separan generaciones de espectadores insensibilizados por los media y convertidos en lisiados por la tecnología que prácticamente les entrega ya todo masticadito. Sin olvidar una programación de noticias por TV e internet que virtualmente los ha hecho espectadores cautivos del torture porn de la vida real.
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En ese contexto, creo que un filme como el original en este momento sería prácticamente impensable e implausible. La hiperviolencia es de los pocos lenguajes que hoy día son internacionales. Esto, para la naturaleza de este remake, afortunadamente, es coherente.
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En época de remake ad nauseam, sabemos ya que los buenos ejercicios deben de respetar la primicia, para de ahí correr como mejor les plazca.<i> Evil Dead</i>, de Fede Álvarez, estrenada en México como Posesión infernal (y que curiosamente reverencia el título que llevó la original en España, muy posiblemente una solución tras la utilización de <i>Despertar del Diablo</i> hace unos años en México, como título para el remake a <i>The Hills Have Eyes</i>…) hace lo propio y dinamita de cierta forma el butaquerío de las salas.
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Los ingredientes del remake son exactamente los mismos de la original: cinco amigos (dos hombres y tres mujeres) encerrados en una cabaña en lo profundo del bosque, son víctimas de fuerzas demoniacas. La diferencia viene dada por las drogas como pretexto, la locura y la desintegración familiar como causa, y el realismo como contexto.
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La fuerza casi surreal de la original es contenida casi de forma científica en el remake, y los excesos fantásticos se transforman en violencia macabra y de nota roja que impactan casi de igual manera que la original. La casi serie de sketches sangrientos inmaculados de la obra inicial, es el blueprint de un descenso a la tortura en el remake, en el que más allá de una simple reinterpretación de los perversos sucesos se trata de una especie de intervención sobre la original, que ofrece una intensa y emotiva apreciación sobre la obra de Raimi, y que permite sopesarla como una obra de arte que se deconstruye para continuar su valoración desde otros puntos de vista.
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En el remake, prácticamente se presentan y reconfiguran elementos de las dos primeras entregas de la serie original, las torturas y castigos cambian de orden, sexo, condición y vehículos, pero la sangre es casi la misma. Lo que en la original es detonado por una simple curiosidad juvenil sobre un libro maldito, en el remake se detona de igual manera, aunque con un background de brujería y, sobre todo, dando énfasis en lo expuesto que puede estar el ser humano a las fuerzas sobrenaturales cuando se encuentra frágil emocional, mental y físicamente.
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Álvarez muestra claramente su pertenencia a una generación, un momento histórico, fragmentado por la tecnología y su velocidad. Pero a pesar de eso, y a diferencia de muchos de sus colegas de generación cuya programación sensorial de videojuego no les permite hacer pausas entre las cascadas de imágenes, muestra capacidad para detenerse no precisamente en el detalle, aunque sí en la crónica de la imagen y alcanzar a ofrecer composiciones y retablos que permanecen en la mente. Hay que subrayar que en este filme las cosas no están dadas por los actos estúpidos de jóvenes idiotas y calenturientos, como sueles suceder en estos filmes de encierro y hormonas (como incluso sucedió en la versión original, aunque desde luego de manera brillante).
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Aunque la fuerza y originalidad del filme de Raimi continúan insuperables, en las dos versiones coincide un ánima y energía por el medio y el género producto de la juventud. A pesar de las diferencias de presupuestos, de condiciones y necesidades, los dos momentos son los de dos debutantes con talento.
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Pues prácticamente, este año ya fue. Y así como estos 12 meses, los pasados 15 años pasaron ante mí casi en un parpadeo durante un sueño inolvidable. Precisamente en mayo cumplí 15 años de ejercer el periodismo de manera profesional, y tuve la suerte de iniciarlo escribiendo sobre cine, para el inolvidable suplemento cultural <b>Sábado</b>, del extinto diario unomásuno (aún se publica algo que lleva su nombre, pero es un cadáver parlante apestoso). Aquel primer texto que escribí fue sobre <i>Crash</i>, la obra maestra de David Cronenberg, y apareció el 10 de mayo de 1997.
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Se trata de un texto primerizo, sin duda, pero... creo que ya hasta en el tema de discusión demostraba la inquietud por hablar de cosas importantes y aún poco valoradas por aquella época.
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Huberto Bátis, editor del suplemento, ogro para muchos y para muchos más héroe del periodismo cultural, me dio la oportunidad de comenzar ahí, y ya no me detuve en la cobertura de las experiencias y demostraciones artísticas un tanto alternativas. El camino en el periodismo ha sido emocionante, estresante, inolvidable y creo que me ha permitido encontrar mentes afines y compartir con ellas través de los impresos y el internet. Cine, rock y cómic (para historietas no dejen de ir a <a href="http://iconoctlan.blogspot.mx/">Iconoctlán</a>, para checar aquellos primeros textos) desde entonces han sido mi tarea principal en el periodismo, y no he bajado la guardia para defenderlos y promoverlos.
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A continuación les dejo la imagen de aquel primer texto, por el momento es con la única que cuento, así que disculpen la resolución.
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Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-69482156642344975922012-05-22T16:41:00.000-07:002012-05-22T16:42:27.630-07:00La cueva de los sueños olvidados, de Werner Herzog<p>
Hasta hace unos años, el debate profesional que se protagonizó en la arena del cine se enfocó en la pertinencia de optar o no por el uso de las cámaras digitales. La economía en muchos aspectos, tanto técnicos como narrativos y, sobre todo, presupuestales, han terminado por mostrar que el futuro del llamado séptimo arte, efectivamente, se encuentra en el ‘cine’ digital.<p>
Surtido este dilema, sin embargo, la carrera por lograr el realismo más exacerbado en este medio continúa. La nueva discusión, entonces, dentro de los confines del medio parece girar en torno a la pertinencia por declarar o no si el sistema 3D, estereoscópico, es el futuro del cine, o tan sólo una herramienta para enriquecer sus capacidades como simple entretenimiento.<p>
Aunque asegura no ser partidario precisamente del 3D, el cineasta alemán Werner Herzog ha dado un voto de confianza a este sistema, con la realización de <i>La cueva de los sueños olvidados</i> (Cave of Forgotten Dreams, 2010), documental para el cual ha declarado que la utilización del 3D no fue algo esencial, sino imperativo, y el cual pudo verse ya por algunas salas comerciales del país.<p>
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Si recordamos que Herzog es uno de los autores más rabiosos y originales en la historia del cine, que ha cometido actos casi impensables para lograr sus proyectos cinematográficos (como filmar simultáneamente dos versiones de un mismo proyecto, tanto en alemán como en inglés, con <i>Nosferatu</i>; o trasladar un barco a través de una montaña en el Amazonas para alcanzar el dramatismo necesario de la historia, en <i>Fitzcarraldo</i>) podemos considerar entonces que sus razones para el 3D en este proyecto son de peso verdadero y, por tanto, que se le puede valorar como una herramienta necesaria y sobresaliente.<p>
En La cueva de los sueños olvidados con la simple adquisición de un boleto de cine en 3D tenemos acceso a la que posiblemente sea la exposición más antigua de arte.<p>
En 1994, en Ardèche, al sur de Francia, tres espeleólogos descubrieron una cueva cuyo acceso permaneció bloqueado durante más de 20 mil años. Al lograr internarse se encontraron con una serie de pinturas rupestres que cubrían las paredes, además de restos y huellas de animales prehistóricos, en un área semejante a la de una cancha de futbol. La cueva recibió el nombre de Chauvet, a partir del apellido de Jean-Marie Chauvet, una de los tres espeleólogos que hicieron el descubrimiento.<p>
La revelación de este hallazgo no fue cualquier cosa, se trata de pinturas cuya realización inició hace más de 30 mil años y fueron continuados 5 mil años después; es decir, hace cerca de 25 mil años que fueron manipulados por última vez, convirtiéndose así en el arte más antiguo del que se tenga prueba alguna; casi el doble de antigüedad de los hallazgos más milenarios previos a éste.
Estas obras corresponden a una época en la cual el neandertal aún se desplazaba sobre la fas de la Tierra, entre mamuts y osos durante la Era Paleolítica. Registros únicos de comunicación de su época, estas pinturas de sobresaliente trazo (a pesar de que buena parte de ellas fueron hechas con una vara para alcanzar cierta distancia, el trazo del o los autores muestra un pulso envidiable) crean un puente de miles de años, entre el pasado y el presente de una especie cuya aparente distancia espacio-tiempo desaparece ante los códigos eternos del arte.<p>
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El lienzo natural de Chauvet nos otorga, así, una especie de proto-Street Art que funciona en base y se acopla a las irregularidades de la cueva, así como a los caprichos del goteo en estalactitas y estalagmitas, “catedrales de cristal” como las llama Herzog, y cuya peculiar forma compuesta por abultamientos, nichos y pendientes prácticamente le exigieron a Herzog la utilización del 3D como herramienta idónea para acercarse lo más posible a la experiencia directa de estar en la cueva.<p>
Con La cueva de los sueños olvidados tenemos acceso a una creación prehistórica, tal vez el primer indicio de arte realizado de forma consciente en la historia. No se sabe si se trata simplemente de documentar de cierta forma la actividad diaria con imágenes de caza muy sofisticadas, o si detrás de los trazos hay una intensión artística, haciendo entonces de la cueva una especie de galería. Los trazos muestran finalmente una consciencia por parte del trazador o artista, para acoplar de cierta forma el discurso con la forma de las paredes; se nota inclusive cierto movimiento en base a la forma del ‘óleo’ y al de las sombras y angulaciones que provoca la luz de las antorchas. <p>
La sensación de estar en la cueva y observar los pinturas rupestres en su forma más cercana a la realidad resulta, como lo ha dicho Herzog, imperativo; tanto por su forma, como porque el acceso a éstas ha sido limitado a sólo un puñado de científicos durante las casi dos décadas de ser descubiertas; pues los altos niveles de bióxido de carbono del lugar y otros aspectos que ponen en peligro tanto al ser humano como la conservación del mismo sitio, hacen que sólo durante unas cuantas horas al día, en semanas precisas durante primavera y otoño, se permita el acceso al lugar.
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Por si fuera poco lo anterior, la existencia de este filme no ha sido fortuita ni sencilla. No han sido pocos los cineastas que han buscado el permiso para acceder a la Cueva Chauvet; sin embargo, con la solicitud de Herzog (quien acordó entregar este filme al Gobierno Francés como resultado de su trabajo para el mismo, y por el cual recibió una paga simbólica de un euro y por la cual, inclusive, pago impuestos) las cosas cambiaron, pues Frédéric Mitterand, el Ministro de Cultura, resultó ser admirador de la obra del cineasta, lo que agilizó la realización de proyecto. <p>
A decir de James Cameron, el realizador más rentable en la historia de Hollywood (con filmes como <i>The Terminator </i>y <i>Titanic</i>) y desarrollador de la cámara Fusion 3D (que ha venido a afianzar el desarrollo del sistema estereoscópico en el cine) con <i>Avatar </i>(el filme más taquillero en la historia), será por el año 2020 cuando el cine en 2D haya muerto, y se dé entonces la supremacía del 3D. En los siguientes 5 o 10 años el 3D se volverá ubicuo, asegura Cameron. Esto es, que el cien por ciento de los cines a nivel mundial habrán adoptado esta tecnología y para la cual, probablemente, ya no sean necesarios la utilización de lentes algunos (esto supone una proyección prácticamente sin precedentes) y la transformación total vendrá cuando la exhibición sea única y exclusivamente en 3D.<p>
Junto a Herzog, recientemente se ha sumado Martin Scorsese en los autores fílmicos convertidos al 3D, y también para contar una historia de orígenes del arte (en su caso, con <i>Hugo Cabret</i>, un acercamiento a la increíble y edificante historia de Georges Méliès, genio del cine y pionero de la forma a través de la cual hoy vemos al mundo). Vemos entonces que el 3D, además de prometernos el futuro, igualmente está volteando al pasado para mantener y promover su memoria.
<p>Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-71741289592183761052011-12-24T16:35:00.000-08:002011-12-24T16:41:43.918-08:00Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio<p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHllxLIBUzY42CweYx10Eyf7B0FCB8BES383gSBRh3iBvWp_gdMkQrv9mBEz58MX_RAITMgS6s_OeURLIinHHLzliiHe1dCxbajJgaIKPAxXqjFP__sTqU32FWifWfwO0Gqca3TZ1qNeFc/s1600/tintin_peli%255B1%255D.JPG" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="226" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHllxLIBUzY42CweYx10Eyf7B0FCB8BES383gSBRh3iBvWp_gdMkQrv9mBEz58MX_RAITMgS6s_OeURLIinHHLzliiHe1dCxbajJgaIKPAxXqjFP__sTqU32FWifWfwO0Gqca3TZ1qNeFc/s400/tintin_peli%255B1%255D.JPG" /></a></div><p>
Para el mundo americano (desde Alaska a Chile), Tintín (pronúnciese
Tantan, en francés; o Tenten en inglés. <a href="http://es.forvo.com/word/tintin/">Aquí</a> lo pueden constatar) es poco menos que una curiosidad
venida del Viejo Continente.<p>
Personaje cuyas aventuras nunca han estado exentas de, por ejemplo,
lugares como México, Tintín no ha pasado de ser una lectura degustada
por un pequeño grupo de lectores. Prácticamente se trata de una
lectura que ha sido alimento de clavados en la historieta mundial, o
lectores afrancesados.<p>
Bueno, el ejemplo claro es el mismo Steven Spielberg, quien
aparentemente puso cara de what cuando la crítica europea comparó las
aventuras de su Indiana Jones con las aventuras de Tintin. El célebre
realizador no supo de quién hablaban, y pues tuvo que ponerse a
investigar, a leerse los 24 álbums de este personaje y, entonces, a
quedar hechizado por el trabajo de Hergé y su equipo. Al menos así es
como él mismo lo ha contado.<p>
Sabrá Satanás o Dios si efectivamente Spielberg desconocía la
existencia de Tintin previo a Indiana Jones. Lo cierto es que la
manufactura del filme Las aventuras de Tintin: El secreto del
Unicornio, dirigida por Spielberg y producida por Peter Jackson,
demuestra claramente que se trata de una labor de absoluto amor y
respeto por la obra de Hergé.<p>
Tintín no ha sido extraño a las adaptaciones a otros medios. Se han
producido dos series animadas para televisión adaptando sus historias,
una en los años 50 y otra en los 90; además largometrajes en animación
y en acción real para cine, en los años 60, 70 y 80 del pasado siglo.
Habrá que decirlo: en Europa, Tintin es un valor histórico y cultural
que se transmite a través de generaciones prácticamente como si se
tratara de una lectura obligatoria.<p>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCQyaHVJQHXCZS36lFh-UD6VnaENBHl4dRgnFopBm9IlFvgjnTXj_nHM18nlZgyhj1JOb8RLqNtUZybOHUGx2AHw9x5WsuC85Yb4CupfqGsNZfdLLO8F_BMNAv9GULqpc8lbXm20rg3tZH/s1600/jackson%252C_tintn%252C_spielberg%255B1%255D.JPG" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="223" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCQyaHVJQHXCZS36lFh-UD6VnaENBHl4dRgnFopBm9IlFvgjnTXj_nHM18nlZgyhj1JOb8RLqNtUZybOHUGx2AHw9x5WsuC85Yb4CupfqGsNZfdLLO8F_BMNAv9GULqpc8lbXm20rg3tZH/s400/jackson%252C_tintn%252C_spielberg%255B1%255D.JPG" /></a></div>
<p>
Es por eso que, mientras en América el estreno de <i>Las aventuras de
Tintín: El secreto del Unicornio</i> puede que ayude a un redescubrimiento
del personaje; en Europa ha sido todo un acontecimiento cultural y
mediático. Y cuando vemos que dos de los directores más exitosos y
respetables del mundo Occidental están detrás de este proyecto,
podemos medir de cierta forma la trascendencia de la obra de Hergé.<p>
<i>Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio</i>, tal como podrá
verse a partir de este domingo 25 de diciembre en cientos de salas del
país, creo que sólo pudo ser un producto resultante de la conjunción
de pasiones obsesivas. En este caso, tanto Spielberg como Jackson son
fanáticos declarados de esta historieta belga; y sucede lo mismo con
sus colaboradores en el guión, Edgar Wright (Shaun of the Dead, Scott
Pilgrim), Joe Cornish (Attack the Block) y Steven Moffat.<p>
El resultado es un filme que es identificado por los lectores de
Tintín desde la secuencia de inicio, un collage de aventuras de Tintín
en el cual se respeta hasta la tipografía que define las portadas de
los álbumes de este personaje; un hermoso montaje de imágenes y
momentos que definen parte importante del medio de la historieta, con
una banda sonora muy sobresaliente de John Williams, y muy distinta a
su trabajo con Spielberg.<p>
El filme se basa de manera central en <i>El tesoro del Unicornio</i>, uno de
los álbumes más famosos de Tintin, que data de 1944 y que, de hecho,
era uno de los trabajos preferidos de Hergé. La secuencia inicial
prácticamente demarca la restante hora y media de metraje: en la
primera escena aparece un retratista que está dibujando a Tintín, el
rostro del artista es el del mismo Hergé y su obra es una caricatura
de Tintin que respeta la línea clara clásica y que sirve como memento
ante el nuevo rostro de Tintín, uno más cercano a la realidad, aunque
sin perder sus rasgos característicos.<p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCQ7RQgPjMJ4xJ6yXXDtno-Zt93c2Xjz8mKcGzugsMU_kJ2u4OK0kvO1ojt9iSrb1x4CVivYMXccGEjFIXCwLq-uMmbRjkKmiTY40pXeZDJ9KcPw_OupT4k0gwm9gki3KZjky64DJBznVB/s1600/El_secreto_del_Unicornio%255B1%255D.JPG" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="400" width="292" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCQ7RQgPjMJ4xJ6yXXDtno-Zt93c2Xjz8mKcGzugsMU_kJ2u4OK0kvO1ojt9iSrb1x4CVivYMXccGEjFIXCwLq-uMmbRjkKmiTY40pXeZDJ9KcPw_OupT4k0gwm9gki3KZjky64DJBznVB/s400/El_secreto_del_Unicornio%255B1%255D.JPG" /></a></div><p>
Con esta secuencia vemos el respeto ante la obra original (Tintín
visita un bazar donde encontrará un barco a escala que adquirirá y,
con esto, desatará la aventura de la historia) e, igualmente, el
enriquecimiento dramático y narrativo para las necesidades fílmicas
(obviamente, con algunos cambios, como el hecho de que el Capitán
Haddock sea un desconocido para Tintin, cuando en la historieta ambos
se conocían desde álbumes previos): la secuencia en el álbum presenta
los personajes, el misterio y funciona igualmente como entretenimiento
en base a gags; en el filme se respetan estos elementos y se le agrega
la esencia del cine, movimiento, de manera notable.<p>
La poco más de hora y media que dura el filme es una sucesión de
acción y buen humor; no hay momento muerto, todo es una escalada de
aventuras cuya intensidad se percibe fuertemente, y demuestra el
talento de Spielberg como algo natural para esta historia, que
recuerda claramente el sentir de vértigo que producen las
persecuciones en los filmes de la saga de Indiana Jones.<p>
La utilización del motion caption resulta aún más extraordinaria, pues
si bien se trata de un entorno medianamente caricaturizado el de este
Tintin fílmico, sus reglas y detalles son de una veracidad
extraordinaria. Caso en concreto es el rostro del mismo Tintin, que se
acerca más al de un joven real, y que no deja de semejarse al rostro
básico trazado por Hergé.<p>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV-FXuT11KI4jdtQ-QulYmUMayy3dy4hOkShOPlKSBNEunIUJ6UWcil1gQD8P_pwJHP9nmMU0Jk_6jruJUfW1GpbgwPrznwR-XwyArFBMXzLyXIlaPvvhR4OA9A2CNqBXjQZFWNg27-37P/s1600/tintincomic%255B1%255D.JPG" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="314" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV-FXuT11KI4jdtQ-QulYmUMayy3dy4hOkShOPlKSBNEunIUJ6UWcil1gQD8P_pwJHP9nmMU0Jk_6jruJUfW1GpbgwPrznwR-XwyArFBMXzLyXIlaPvvhR4OA9A2CNqBXjQZFWNg27-37P/s400/tintincomic%255B1%255D.JPG" /></a></div>
<p>
Finalmente, la utilización del 3D parece que con este filme comienza a
mostrar un sobresaliente valor, pues como ha declarado el propio
Spielberg, el 3D es una herramienta que no sirve únicamente para
impactar con escenas que sorprenden a nustros ojos, sino que se trata
de una tecnología que ayuda a mejorar al cine como narrativa y
movimiento.<p>
Lo único que realmente extrañé, sin duda, fue escuchar los comentario de Milu.<p>
Observar la concreción de un filme como <i>Las aventuras de Tintín: El
misterio del Unicornio</i> es una experiencia de triunfo que contagia;
porque es el triunfo de la pasión y la admiración de un par de autores
ante otro creador, y porque es otro triunfo de la historieta como un
medio imperecedero y de una riqueza aún desconocida.<p>Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-85734846956583559122011-10-27T16:05:00.000-07:002011-10-27T16:09:22.311-07:00¿No escuchas ladrar a los PERROS DE PAJA?<p>
El cartel de <i>Perros de paja</i> (<i>Straw Dogs</i>, Sam Peckinpah, 1971) muestra un close up de poco más de la mitad del rostro de Dustin Hoffman, actor que protagoniza el filme como un maestro de matemáticas. En blanco y negro y ausente de cualquier retoque, la imagen permite ver en directo el rostro inerte del actor, carente de emoción en apariencia, aunque el estado de las cosas se encuentra alterado por el cristal roto de uno de sus lentes, cuyos trozos descansan sobre la mejilla. La visión, la percepción, ya no es la misma.<p>
Al día de hoy, tras cuatro décadas de haber sido realizada y estrenada, a Perros de paja se le continúa considerando uno de los filmes más violentos en la historia del cine, y a pesar de que años después se dio la intensa escuela del cine gore (a la cual impulsó, de hecho) y, al momento, existan subgéneros como el Torture Porn. Pero en el caso de este filme no estamos hablando solamente de violencia visual, sino igualmente del fuerte discurso que Peckinpah construyó a través del filme, y que culmina con uno de los ataques a una mujer más discutidos en el cine. <p>
Ahora que estamos en espera del estreno del remake a este filme (sí, uno más a un clásico), dirigido por el politizado director y crítico de cine Rod Lurie (La conspiración), permanece en el aire la pregunta sobre si la capacidad de la nueva versión para desarrollar un discurso con base en la violencia y abrir un intenso debate logrará acercarse a lo provocado por la obra original. <p>
Perros de paja coincide con la realización en 1971 de otros filmes sobresalientes en la historia, por su discurso, su manufactura y la especial atención que pusieron en la representación de la violencia en pantalla: <i>Los demonios</i> (<i>The Demons</i>, Ken Russell) y <i>Naranja mecánica </i>(<i>A Clockwork Orange,</i> Stanley Kubrick).<p>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd-Pz-6KfmOGadiTIrsR_KoidEEiJRW7Wko5K9veo6tVm7BZM1YwPg44gEV7vI71-bpj5qbMwVAEMBTZuzYzASKZx_WkZOeLjo5OTw8yGg1uBj61QcDV8qO18E_eG69GcMG9L3Fm1viqeS/s1600/straw_dogs_posters-thumb-630x441-36001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="280" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd-Pz-6KfmOGadiTIrsR_KoidEEiJRW7Wko5K9veo6tVm7BZM1YwPg44gEV7vI71-bpj5qbMwVAEMBTZuzYzASKZx_WkZOeLjo5OTw8yGg1uBj61QcDV8qO18E_eG69GcMG9L3Fm1viqeS/s400/straw_dogs_posters-thumb-630x441-36001.jpg" /></a></div><p>
El cine angloparlante realizado durante la década de los 70 del pasado siglo reflejó, obvia y claramente, la sacudida social y política que se gestaba en buena parte del mundo tras la muerte del Verano del amor. Durante dicho decenio filmes como <i>The Exorcist</i>, <i>Taxi Driver</i>, <i>The Texas Chainsaw Massacre</i>, <i>The Brood</i>, <i>Dawn of the Dead </i>y <i>Driller Killer </i>le dieron nuevo sentido a la violencia cinematográfica y al cine como medio para criticar y analizar a la sociedad en sus actitudes y pensamiento.<p>
Esa década fue un polvorín pero, sin duda, aquel 1971 fue un inicio casi dantesco y esplendoroso por igual con los mencionados filmes.
Perros de paja, en muchos aspectos, fue un filme de transición y cambios, tanto para su autor como para la industria. Peckinpah venía de realizar <i>La balada de Cable Hogue </i>(1970), pero sobre todo <i>La pandilla salvaje </i>(1969), violento western centrado durante la Revolución Mexicana, que le cosechó a Peckinpah la trascendencia como autor, como esteta de la violencia y como creador con fuertes opiniones sobre el hombre y la mujer.
Con todo, Peckinpah (creador enérgico y perfeccionista, que en muchas ocasiones exigía más a sus productores) cada vez tenía más complicaciones para realizar los filmes que él quería. Así, decidió viajar a Inglaterra para su siguiente filme, prácticamente como una desintoxicación del ambiente, más no de otros factores.<p>
Así, en una tierra extraña, casi trasladando su sentir a la ficción, Peckinpah comenzó a construir –a partir de la novela <i>The Siege at Trencher’s Farm</i>, de Gordon M. Williams- un drama tremendista que no era otra cosa que un western contemporáneo: una pareja decide instalarse en el pueblo inglés del que ella (Susan George) es oriunda. Él (Dustin Hoffman), matemático y contrapunto intelectual a la frescura femenina, tendrá que entrar en un estado alterado de adrenalina cuando un grupo de pobladores decide irrumpir en su casa y en su pareja, alterando el orden y la hombría de él.
En <i>Perros de paja </i>todo parece explotar. Tomando como punto de partida, en apariencia, el Imperativo territorial (cuando cualquier ser viviente defiende su espacio a como dé lugar, al sentir que sus fronteras son violentadas o violadas), el cineasta lleva a sus personajes y a los espectadores a taparse los ojos y, después, a un crudo debate moral.<p>
Peckinpah pareciera que se regodeó en la transformación que aplicó al protagonista interpretado por Hoffman: de meticuloso y pacífico matemático, las circunstancias lo llevan a desnudar su instinto de supervivencia sin miramientos, mientras su esposa es violada en dos ocasiones -una de ellas que podría parecer consensuada-, suceso que terminó por llevar el filme a ser censurado durante casi 20 años en el Reino Unido, a que hoy día continúe siendo debatido y a que la renombrada crítica de cine Pauline Kael calificara a Peckinpah de misógino y fascista.
Peckinpah, el cineasta que con <i>La pandilla salvaje </i>dijo querer demostrar los resultados de la violencia (algo que casi siempre se muestra sin consecuencias reales en el cine, según aseguró), con Perros de paja buscó opinar sobre la violencia que el hombre ignora habita dentro de él, el intelectual como evasor de la sociedad y sus responsabilidades, el hombre desbocado ante la violación de su pareja y la relación de pareja con la mujer como ente insatisfecho. El resultado de esto, por supuesto, fue incendiario.<p>
Aunque discutible, el filme de Peckinpah continua siendo valorado, sobre todo cuando la industria de la violencia fílmica continúa construyéndose en la forma y no en el fondo, contrario a lo propuesto por el cineasta. Y aunque en primera instancia un remake a este filme pareciera insensato, pues el original aún funciona y revisitar la herida pareciera poco civilizado, la reciente avalancha de remakes a filmes insulsos de los años 70 y 80 (<i>Piraña</i>, <i>Día de las madres</i>, <i>Noche de graduación</i>), y a otros no tanto (<i>Masacre en Texas</i>, <i>Las colinas del terror</i>, <i>I Spit on Your Grave</i>), coloca el terreno propicio para que una de las madres de la violencia contemporánea sea recordada.<p>
En una entrevista aparecida en un reciente número de la revista Fangoria, Lurie argumenta con buenos ejemplos cuando se le pregunta la razón de un remake a <i>Perros de Paja</i>: “Realmente disfruto el ejercicio de realizar un filme desde un punto de vista de izquierda radical, a partir de uno realizado desde un punto de vista de derecha radical, y observar cuáles son las actitudes que trabajan de forma distinta. Creo que el remake es ya un género en sí mismo. Se le pudo haber preguntado esto mismo a los hermanos Coen cuando hicieron <i>Temple de acero </i>[<i>True Grit</i>], o a John Carpenter cuando hizo <i>La cosa del otro mundo </i>[<i>The Thing</i>]. ¿Puede tomarse una historia y de forma alguna hacerla propia?”.<p>
Por lo pronto, el cartel del remake reverencia la imagen del original. Y a pesar de que los tiempos ya son otros distintos a los de hace cuatro décadas, y a pesar de que los realizadores presenten principios sociales y políticos distintos, la violencia sigue provocando lo mismo en el ser humano y la visión continúa alterada.<p>Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-72498167574409312242011-10-20T17:09:00.000-07:002011-10-21T12:51:04.349-07:00George Romero, a propósito de su visita a MéxicoEste sábado 22 y domingo 23 de octubre, George A. Romero visita la ciudad de México. Como parte del <i><a href="http://www.hallowfest.com.mx/">Hallow Fest</a></i>, evento involucrado en diversos temas del horror y el terror (a realizarse en el Hotel Radisson Flamingos: Av. Revolución 333, Col. Tacubaya), este renovador del cine de horror estará presente para platicar y encontrarse con los interesados en su cine y en los zombies, que creo son muchos. Sin duda, se trata de un suceso para los interesados, y pocos son los directores cuya visita pueda llamar la atención de una muchedumbre. Ahí estaremos para saludar al maestro (el sábado, su conferencia será de 3 a 4 de la tarde), y aquí les dejo este texto, como reverencia al maestro.<p>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu_ELV3UvB8Og8orvQWgkRB2zlvQ8CURfCS98AR6p5jzW_-_Tkp6EBIQxhVz_UhW4toFOp3BFnQ-FecAfFst4__NyVL85Rd7EeJz4KwmqhWGLh-mrb-3Z-H44D6KKfZjZ9vKDtHBfYgW6P/s1600/Martin.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="267" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu_ELV3UvB8Og8orvQWgkRB2zlvQ8CURfCS98AR6p5jzW_-_Tkp6EBIQxhVz_UhW4toFOp3BFnQ-FecAfFst4__NyVL85Rd7EeJz4KwmqhWGLh-mrb-3Z-H44D6KKfZjZ9vKDtHBfYgW6P/s400/Martin.jpg" /></a></div><p>
Es, sin duda, poco afortunado que a George A. Romero se le conozca casi exclusivamente por su importante trascendencia en el cine de horror a partir de su cine de zombies caníbales; una brillante saga que desde hace 40 años construye como metáfora crítica del individuo frente a la hecatombe.<p>
Y no lo digo porque sea algo malo, por el contrario; pero ése es tan sólo uno de los varios logros que este realizador ha alcanzado desde la trinchera del cine independiente, creando una obra compleja, crítica, apasionante y edificante. Que no se le dé la misma importancia al resto de su trabajo es una pena.<p>
Con Romero estamos hablando de un autor íntegro, involucrado desde la idea primigenia de un filme hasta la ejecución última del mismo. Un realizador que inicia su carrera, y que la continúa, con la idea de crear un cine en el que se tenga el control creativo total de la obra… por lo que muchas de ellas han debido esperar años para su concepción.<p>
Con Romero, tal vez, estamos ante la revelación clara y concisa del cine de terror como metáfora crítica y brillante de la sociedad de consumo y los gobiernos que la alimentan. Ya desde los años 50, el cine de fantasía –en especial las producciones series B y Z de horror y ciencia ficción- en menor o mayor medida habían servido en algunas ocasiones como crítica velada al stablishment. <i>Psicosis </i>(1960), de Hitchcock, significó en este contexto una bofetada al american way of life al subvertir el valor de los miembros de la familia y los mismos del cine hollywoodense. El daño a la “moral” estaba hecho; las puertas estaban abiertas para una nueva generación de artistas incómodos con su mundo.<p>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXhCWnyLRhoXptfR0LERXsdos6DWh2TCaR1xuRY0yDgj7374TvsCUM-xLppk71n865J4vnsEBgS-2G8tDzI7K-zYoSd2itprH9XPaKmGZ1cXCfYRl3FBzS6CsD35z6JHMpU_g0YpQ2OI4e/s1600/dawn-of-the-dead.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="221" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXhCWnyLRhoXptfR0LERXsdos6DWh2TCaR1xuRY0yDgj7374TvsCUM-xLppk71n865J4vnsEBgS-2G8tDzI7K-zYoSd2itprH9XPaKmGZ1cXCfYRl3FBzS6CsD35z6JHMpU_g0YpQ2OI4e/s400/dawn-of-the-dead.jpg" /></a></div><p>
Nacido en Nueva York el 4 de febrero de 1940, de raíces cubanas y lituanas, Romero ha desarrollado prácticamente su carrera en Pittsburgh, Pensilvania, a donde llegó para asistir a la Universidad Carnegie-Mellon. Desde muy joven tuvo presente su proyecto independiente de autor. Cuando a los 14 años arrojó un maniquí en llamas desde el techo de un edificio, los policías que lo detuvieron no quisieron entender que se trataba de una filmación: “¡Pero es que estamos haciendo una película!, explicó el joven realizador del corto amateur <i>The Man from The Meteor</i>.<p>
En 1962, a los 22 años, fundó Latent Image, tan sólo con una cámara Bolex y dos luces. Durante los siguientes cinco años esta compañía fue una de las más prolíficas en producción de comerciales en Pittsburgh, y ante la imposibilidad de encontrar apoyo para la producción cinematográfica, Romero decidió poner en marcha su propio proyecto con la ayuda de sus trabajadores y amigos. El resultado de dicho esfuerzo fue <i>La noche de los muertos vivientes</i> (Night of the Living Dead, 1968), un filme realizado contradiciendo en su totalidad los lineamientos y lo establecido por el cine hollywoodense, marcando así la entrada de una generación de cineastas con muchas cosas que decir a través de su pasión por el género fantástico y sus subgéneros.<p>
A los 71 años, George Andrew Romero cuenta con catorce largometrajes y un mediometraje (para un <i>Two Evil Eyes</i>, filme realizado en conjunto con Dario Argento). Con excepción de algunos de sus más recientes filmes, rodados parcialmente en Canadá, el grueso de su obra la ha construido en Pittsburgh, estado al que no sólo ha convertido en la tierra natal del zombie inconscientemente crítico, sino igualmente uno de los últimos bastiones de la independencia cinematográfica. Parte importante de la cinematografía moderna se debe a su influencia y a sus propuestas en filmes como <i>Jack’s Wife </i>(1972), Martin (1975), <i>Creepshow</i> (1982), <i>Monkey Shines</i> (1988) y, por supuesto su conocida saga de zombies.<p>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje9cKeuMrvyNvj9Ad8ZopT3MjhyphenhyphenrpZB_CLisaWHcomxypf4X8PGcYZ0iZU2sAQgt6z8otJH1yTRpnDt_y-M9jZKaPQsZ8w0VtpCEG_wHoCWtmc98ujXjfxpOJXqG9X9HvwmZ31uR2xbkC1/s1600/T%25C3%25ADo+George+y+yo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left:1em; margin-right:1em"><img border="0" height="300" width="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje9cKeuMrvyNvj9Ad8ZopT3MjhyphenhyphenrpZB_CLisaWHcomxypf4X8PGcYZ0iZU2sAQgt6z8otJH1yTRpnDt_y-M9jZKaPQsZ8w0VtpCEG_wHoCWtmc98ujXjfxpOJXqG9X9HvwmZ31uR2xbkC1/s400/T%25C3%25ADo+George+y+yo.jpg" /></a></div><p>
*<i>Una versión de este texto fue publicado en la revista Cinemanía, en 2008.</i><p>Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-63580763433166348932011-08-24T16:07:00.000-07:002014-04-29T15:04:27.642-07:00Que siempre no fue mito: El vampiro y el sexo.Desde mediados de los años 80 fue que <em>El vampiro y el sexo</em> entró en mi imaginario como algo mítico.
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<br />Por aquella época, durante una de tantas pesquisas en bodegas de revistas atrasadas a las que mi papá nos tenía acostumbrados a mi hermano y a mí, nos encontramos con una destartalada copia del número 26 (junio-julio de 1980) de la revista <em>Cine </em>(publicada durante los últimos años 70 y hasta 1980, y que fue el preámbulo de la recordada <em>Dicine</em>), dedicado al cine de horror. Entre los trascendentes textos para nuestro inicio en el tenebroso mundo del cine de horror, dicha publicación contenía una entrevista ya mítica de Ruben Sano a Santo, el enmascarado de plata, y en la cual se insertaba un texto de Juan Manuel Aguilar con información e imágenes que me hicieron ver el cine de otra forma: la revelación de una versión alterna, de tintes eróticos, de <i>Santo en el tesoro de Drácula</i>.
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<br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWWPoPdME1vR6NnU7mQUc0CQ5fatwKRDLuTzKq8VZTpCvh7I_ELjA_E_1mTptpu21cEjvA1i2zYcDzAN8qxWExixs3e0VLBUr8R_cU4ykQ7sJdMZzfs1nWFLR4seJZXinWeEGgnBFEZbxD/s1600/El-vampiro-y-el-sexo+negro.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 230px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWWPoPdME1vR6NnU7mQUc0CQ5fatwKRDLuTzKq8VZTpCvh7I_ELjA_E_1mTptpu21cEjvA1i2zYcDzAN8qxWExixs3e0VLBUr8R_cU4ykQ7sJdMZzfs1nWFLR4seJZXinWeEGgnBFEZbxD/s400/El-vampiro-y-el-sexo+negro.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5644563717133816082" /></a>
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<br />Con esas imágenes se disparaba algo desconocido en la inocente mente de un fanático de Santo de 11 o 12 años. Su santidad: Santo, el enmascarado de plata, si es que no pecaba directamente con los forros presentes y desnudos en la imagen que ilustraba el texto, sí participaba en la misma historia y, por tanto, las cosas se trastocaban considerablemente. Para un niño de esa edad y en aquella época la distinción entre el bien y el mal, entre lo infantil y lo adulto, era algo básico. Santo era igual a matinés televisivas de fin de semana para el divertimento infantil; desnudos femeninos era igual a revistas prohibidas que de reojo se veían en los puestos de periódicos. Así, la combinación de Santo con desnudos, era una aberración que puso a mi joven mente a intentar resolver una ecuación de trigonometría moral.
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<br />Los años fueron construyéndose, y la incertidumbre sobre Santo y las vampiras desnudas seguía igual, aunque los datos sobre ese mítico corte alterno a Santo en el tesoro de Drácula, llamado <i>El Vampiro y el sexo</i>, y que se suponía se distribuyó en parte del mercado extranjero, se fueron dando cada vez más y no faltaba, inclusive, quien dijera conocer al primo de un amigo que juraba haberla visto o poseerla en videocasete lo cual, obviamente, no eran más que patrañas.
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<br />Ya en 1999, siendo un jovenzuelo en la batalla periodística, tuve ocasión de colaborar en el especial de Santo de la revista Somos (gracias mil a Don Pepe Návar, quien se encargó de dicha edición y fue quien despertó tanta confusión años atrás en mi mente al ser el perpetrador de la entrevista mencionada a Santo), y ahí me encontré con un tríptico de la críptica <em>El Vampiro y el sexo</em>, y la información parecía crecer, aunque yo seguía muy incrédulo al respecto.
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<br />Entonces los dimes y diretes entre entusiastas, especialistas y aficionados de la vida y obra de Rodolfo Guzmán Huerta, alias Santo, respecto a su incursión en el cine medianamente erótico era la discusión de cada día. Yo, inclusive, llegué a decirle a Manolo Durán y Eduardo Mondragón (protagonistas del documental <em>Alucardos</em>) que me cortaba un dedo si alguien me demostraba que el cut de <i>El vampiro y el sexo</i> existió o si me mostraban una de las mentadas copias en videocasete… me arrepentí a unos segundos de haberlo dicho y tras ver la mirada de Manolo que ya se saboreaba la promesa de sangre.
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<br />La historia fue la misma hasta apenas el año pasado, que gracias a la anuencia de –otra vez- Pepe Návar y José Luis Ortega, pude ver una copia del documental <em>Perdida</em>, de Viviana García-Besné, quien decidió hacer dicho sentido e intenso homenaje documental a la dinastía de productores Calderón, cuando se enteró de que sus tíos abuelos fueron estos mismos, otrora pioneros y protagonistas durante muchas décadas de la industria fílmica mexicana. Sin embargo, si bien se nos muestra un retrato muy sabroso y rico sobre esta dinastía en ese documental, cuando García-Besné aviva la hoguera del cine de explotación de los Calderón con la revelación de unos cuantos segundos de metraje prohibido de <em>El vampiro y el sexo</em>, así como de <em>Night of the Bloody Apes</em> (la versión gringa de <i>La horripilante bestia humana</i>), deja muy encarrerado al espectador enterado, pues no explica gran cosa y se olvida en cuestión de segundos de documental de tan trascendente revelación de material. Durante décadas, en una bodega de los Calderón, esos segundos de pecado histórico permanecieron avinagrándose y nadie dijo nada...
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<br />Y ya es con el 2011 cuando llega, como resultado de la revelación de García-Besné, el anunció de que en el marco del Festival Internacional de Cine de Guadalajara sería estrenada <em>El vampiro y el sexo</em>, película que aún se dio el lujo de continuar polemizando, pues a unos días de su exhibición durante dicho festival, el hijo de Santo armó tal sanquintín (por la revelación de un filme protagonizado por su padre y en el que había desnudos femeninos), que la proyección tuvo que ser cancelada.
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<br />Con el paso de las semanas y los meses, sin embargo, se demostró que a pesar del poder que el luchador posee sobre la imagen de Santo, no tiene derecho alguno sobre la película que protagonizó su padre, pues ese le pertenece a los productores y, por tanto, tienen derecho a explotarla como les plazca.
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<br />Así, hace cosa de un mes, <em>El vampiro y el sexo</em> se proyectó por vez primera en el Cineforo de la Universidad de Guadalajara, y este fin de semana podrá verse en el Distrito Federal, como parte de la 10 edición Macabro. Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México.
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<br />Dirigida por René Cardona en 1968, <em>Santo en el tesoro de Drácula</em>, no es de las mejores películas de Santo, aunque sabemos que la filmografía de este personaje en general carece de ciertos elementos cualitativos y eso, precisamente, es lo que la convierte en algo atemporal, trascendente y divertidísima. Y a pesar de eso, <em>El vampiro y el sexo</em> ha sido buscada y esperada por una gran cantidad de espectadores.
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<br />Y hasta el día de hoy, aunque ya se han visto algunos anuncios históricos de diarios estadounidenses anunciando <em>El vampiro y el sexo </em>(lo cual puede indicarnos que efectivamente tuvo su estreno en algún lugar de este planeta en algún momento de la historia), yo sigo sin conocer a algún espectador que me demuestre que la vio en ese momento y, por tanto, que existió en aquella época un corte de este filme que haya sido distribudio, y fuera de las tan publicitadas fotos que desde hace años conocemos.
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<br />Por lo pronto, este sábado 27 de agosto en Cineteca Nacional (y el domingo 28 en el Cinematógrafo del Chopo), la muerte de un mito se consumará con la proyección de este filme. Hasta ahora no sé realmente cuanto tuvo de cierto el mito, o cuánto fue forzado pero, sin duda, se trata de una cita importante en mi vida.
<br />Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-65601673582837868722011-06-03T14:50:00.000-07:002014-08-05T21:48:58.549-07:00I, Vampire: Juan López MoctezumaLa repetición hace un par de décadas del programa televisivo “En tela de juicio”, producido por Televisa durante la década de los 70, presentó para nuevos ojos a un individuo llamado Juan López Moctezuma.<br /><br />¿Quién era aquel docto mediador de una mesa redonda entre Roman Polanski, Sergio Leone, John Huston y Frank Capra, durante una Reseña de Cine de Acapulco? <br /><br />¿Quién podía tener el temple para estar en medio de tales monstruos del arte y conducir una inteligente discusión?<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdVoJkjtoQmfO8vZr90Q2KhO5uGM17bHyivuPG71lYygQTWRej0BmHs5vzOrc_a1YEs48R84Gqlz0Wbzf0Fi-kgrpgSTGoA48DfwchlU1dWhrrb_DrDoSNx6eOaxi6TqBjOSScoLxP4kBF/s1600/JlMoctezumaAlucardos.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 211px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdVoJkjtoQmfO8vZr90Q2KhO5uGM17bHyivuPG71lYygQTWRej0BmHs5vzOrc_a1YEs48R84Gqlz0Wbzf0Fi-kgrpgSTGoA48DfwchlU1dWhrrb_DrDoSNx6eOaxi6TqBjOSScoLxP4kBF/s400/JlMoctezumaAlucardos.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5614114609409560258" /></a><br /><br />Resulta entonces que López Moctezuma al momento de la grabación de aquellos programas era un cineasta con tres filmes a cuestas (<em>To Kill a Stranger</em>, <em>Bienvenida María</em> y <em>El alimento del miedo</em>, estaban entonces en su futuro), oficio que se sumaba a muchas otras actividades artísticas que durante los años 70 hicieron de él un importante promotor cultural. No obstante, otras búsquedas y la misma respuesta negativa a su trabajo en México lo llevaron a mantener una especie de autoexilio intermitente en Los Ángeles, Francia, Nueva York y Barcelona, hasta su regreso definitivo a México, ya entrados los años 90 del siglo pasado.<br /><br />Cuando López Moctezuma murió el 2 de agosto de 1995 a los 63 años, los medios de comunicación parecieron recordar momentáneamente quién fue este hombre, a pesar de que nuevas generaciones lo reconocían ya por la reposición de sus proyectos radiofónicos de jazz y cuentos de terror en Rock 101 y Radio Universidad.<br /><br />Juan López Moctezuma, entre otras actividades, fue “defensor de las artes menores”, “comicólogo”, exponente del pensamiento Pánico, promotor cultural, especialista en jazz, presentador televisivo, artista plástico, escritor, guionista, actor y director de teatro y cine, y a pesar de esto, sus esfuerzos en muchos sentidos han sido vanos para la cultura oficial.<br /><br />Hasta entrada la última década fue que su obra comenzó a ser valorada desde otra perspectiva con la edición en DVD de un par de sus filmes: <em>La Mansión de la Locura</em> (1971) y <em>Alucarda</em> (1974).<br /><br />Tiempos, tal vez, menos ortodoxos y ciertamente más experimentales, el último par de décadas ha permitido que se escuchen voces especializadas en cine marginal y ‘maldito’; siendo López Moctezuma objeto de varios rescates alrededor del mundo. <br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy3x8vMkXKksqvuDY6MiQY7Dn3hLZHwDIZZ55UTAfGK7yENBnAx8kKtyWV8emA0KpbTaySxRx0mHstfpR7pQx5Qq_Ao9rCaOlX8FKt5SW9piaFgHehLkFR8tT0Cjh_T0gVbhZJ-v7ot1_L/s1600/Alucarda+1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 257px; height: 196px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy3x8vMkXKksqvuDY6MiQY7Dn3hLZHwDIZZ55UTAfGK7yENBnAx8kKtyWV8emA0KpbTaySxRx0mHstfpR7pQx5Qq_Ao9rCaOlX8FKt5SW9piaFgHehLkFR8tT0Cjh_T0gVbhZJ-v7ot1_L/s400/Alucarda+1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5614114592772641522" /></a><br /><br />Si se acude a los archivos y a las memorias históricas, podremos ver que el trabajo de López Moctezuma parecía ser el de un esquizofrénico o un dos caras; lo que hoy día llamarían espectacularmente como bipolar. Pues por un lado se encontraba el promotor de televisión cultural y entusiasta del jazz, y por otro el endiablado montador de obras de teatro, realizador de cine sangriento y erótico, así como lector y coleccionista descarado de historieta.<br /><br />López Moctezuma, como Jodorowsky (con quien compartió sueños y pesadillas), fue un hombre adelantado a su tiempo, sin problema en adorar las artes conocidas como bellas, y aquellas otras que eran consideradas producto del mal gusto.<br />Esa misma vorágine de inquietudes, intereses y talentos podemos ver en su cine, concluido medianamente hace un par de años cuando el productor Francisco Zendejas presentó una copia de trabajo de <em>El alimento del miedo</em> (1993), filme que López Moctezuma ya no pudo concluir.<br /><br />Antes de postrarse detrás de una cámara y dar órdenes al equipo de filmación, fungió como productor de <em>Fando y Lis</em> (1967) y <em>El Topo</em> (1969), filmes resultantes de un feliz error de cálculo en los costos de producción por su parte, según palabras del propio Jodorowsky.<br /><br />Aquellos eran tiempos de oficialismo cinematográfico. Rogelio A. González, al frente del Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica, parecía frenar la entrada de nuevas ideas a la industria al girar un listado de 22 autores non gratos al STPC, entre los que se encontraban Paul Leduc, Rafael Corkidi y, por supuesto, López Moctezuma.<br /><br />Es así que de forma clandestina a este sindicato, y construidas como un conjunto de cortometrajes, López Moctezuma inicia sus proyectos. Ideas fílmicas que hacen pensar en la trascendencia del fondo sobre la forma.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXl6lt2tHMQrDZXEkZcM-_oUtmbnhY21f2gGixBmVUgulsgCD5odjMpk0gtl2kodVaZ_kuDYODBCdhzNt7XXUMK69bxrlBHNmchnGkB15UQ7252bwUVJf5z6i9FbAn8JRiYf_2JVPf-NJE/s1600/Alucarda+2.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 303px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXl6lt2tHMQrDZXEkZcM-_oUtmbnhY21f2gGixBmVUgulsgCD5odjMpk0gtl2kodVaZ_kuDYODBCdhzNt7XXUMK69bxrlBHNmchnGkB15UQ7252bwUVJf5z6i9FbAn8JRiYf_2JVPf-NJE/s400/Alucarda+2.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5614114591565684882" /></a><br /><br />Filmado en los alrededores del Distrito Federal, durantes seis semanas de 1971, <em>La Mansión de la Locura </em>compone el primer largometraje de este autor y deviene casi en declaración de principios: los inadaptados, los enloquecidos, toman las riendas del ‘orden’. Con base en el cuento de Edgar Allan Poe: <em>El sistema de doctor Alquitrán y del profesor Pluma</em>, este autor elabora una hermosa fábula fílmica -que parece trabajar casi como una ópera o la arquitectura de una iglesia gótica- cuyos elementos visuales y sonoros buscan la inmersión del espectador en un estado de locura artística. <br /><br />El Museo del Chopo es transformado en nosocomio perdido en el tiempo y la lógica parece entonces trabajar a la inversa. Impávido, Claudio Brook interpreta al alter ego del realizador: el hombre aparentemente cuerdo al frente del lugar y exorbitante interno en realidad, mientras David Silva se pasea metido en ‘traje’ de Aleister Crowley. Las formas fílmicas, la técnica, en manos de López Moctezuma se construyen a partir del estilo, la imagen y el símbolo, y eso es lo que enfurece tanto a la crítica en su momento. Hoy, ése es uno de los tantos valores de su obra.<br /><br />Tres años más tarde llega, tal vez, su más publicitado filme: <em>Alucarda, la hija de las tinieblas</em> (1974), en el que a través del vampirismo, uno de los temas que apasionaban (antes de que se volviera lugar común) a este artista, concreta un alucinante discurso sobre el pecado y la culpa. Tina Romero interpreta a Alucarda, la reencarnación de una bruja vampiro, y Susana Kamini hace las veces de la inocente Justine, carne puesta para corromper, y todo esto dentro de un convento.<br /><br />Aunque, por supuesto aparte de la anécdota y los desnudos, la atmósfera y los escenarios fueron blanco de críticas, este filme posee una puesta en escena deslumbrante -exitoso homenaje del cineasta al cine de la Hammer Films-, así como una serie de locaciones increíbles -como la mazmorra en la que las monjas castigan a las jóvenes pecadoras, grutas que con sangre y velas hayan resonancias metafísicas y mundanas. Entre encuentros de géneros y autores (De Sade y Le Fanu), López Moctezuma crea uno de las piezas básicas del cine de vampiros durante los 70 y del subgénero conocido como nunxplotation.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimyeYoiGE016a9amQspdq6CnZ9ZLtR9OSSQYyMKuC7EZ7MnaTaww_bNBja8pmlBZCGB1spEnDksw2buucLTF_as4qOz3DnOdxcf94GstzPD3HuZGhcBnshnps7jCKATOrjImgFGoar1r_k/s1600/Mansion+de+la+locura.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 300px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimyeYoiGE016a9amQspdq6CnZ9ZLtR9OSSQYyMKuC7EZ7MnaTaww_bNBja8pmlBZCGB1spEnDksw2buucLTF_as4qOz3DnOdxcf94GstzPD3HuZGhcBnshnps7jCKATOrjImgFGoar1r_k/s400/Mansion+de+la+locura.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5614114583525889922" /></a><br /><br /><em>Mary, Mary, Bloody Mary</em> (1976), su acercamiento contemporáneo a los chupasangre, tal vez resulte menos efectivo que los filmes mencionados a razón de su desarrollo en las inmediaciones de una contemporánea ciudad de México–mutilando así las posibilidades fantásticas que permite la atemporalidad. No obstante, compone una interesante opinión acerca del vampiro en la posmodernidad, así como una evasión a los cánones de este mito. Se estrenó en 1978, algunos meses después de que sucediera lo propio con <em>Alucarda</em>.<br /><br />Y a pesar de algunos premios en festivales especializados alrededor del mundo, López Moctezuma tuvo que esperar siete años para filmar <em>To Kill a Stranger</em> (1982) y Welcome María (1986). Ésta última una rareza en su obra, drama protagonizado por María Victoria, mientras que <em>To Kill a Stranger</em> (a pesar de tratarse aparentemente de un vehículo de simple lucimiento para Angélica María, producido por Raúl Vale) compone un impecable y elegante thriller, preciso en sus detalles y forma, y con un sobresaliente elenco en el que se incluyen Donald Pleasence, Dean Stockwell y una aparición del mismísimo Sergio Aragonés (si, el dibujante más rápido del mundo y creador de <em>Groo, the Wanderer</em>). Este filme, que inclusive podría parecer obra de otro autor, demuestra a López Moctezuma como un realizador consciente de la forma y las posibilidades del medio.<br /><br />Siete años después, en 1993, ya instalado en México nuevamente, inicia la filmación de su sexto y último filme: <em>El alimento del miedo</em>, una opinión existencial con la ciudad de México como escenario y la nota roja como forma. El último suspiro de este autor se encuentra tamizado por la tristeza, el olvido, la desesperación, la demencia y otras características del cierre incómodo de una vida que, afortunadamente, contó con un final tan brillante como en sus mejores años. En este filme, en el que López Moctezuma interpreta a un payaso miserable y adolorido, la anécdota de unos tamales con carne humana cocidos entre asesinato y mugre, funciona como vivo contexto histórico del México del ‘Milagro Salinista’ y de los estertores cerebrales de un artista extinguido por su entorno.<br /><br /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOi11adbhBJM2bFLSG8g6x1E3w7xytjZJZFJNCsoIfpkNHW1HyocBqyLY4soynJCptZYiiqeMKKzbWGGvVBvm3Tyyih8807dMSDpJNqPDc_KsNzOdND7TzUpq8i54CDlVvVbPQBESPbDiQ/s1600/Alucardos.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 207px; height: 320px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOi11adbhBJM2bFLSG8g6x1E3w7xytjZJZFJNCsoIfpkNHW1HyocBqyLY4soynJCptZYiiqeMKKzbWGGvVBvm3Tyyih8807dMSDpJNqPDc_KsNzOdND7TzUpq8i54CDlVvVbPQBESPbDiQ/s400/Alucardos.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5614114580610846050" /></a><br /><br />Los últimos comentarios de Juan López Moctezuma fueron guardados por Manuel Santillán y Eduardo Mondragón, dos entusiastas cuya pasión por la obra de este artista les legó sus últimos días y parte de su obra. Hoy, gracias a ellos, tanto la edición en DVD de <em>La Mansión de la Locura</em> (el master proviene de su copia en 35 mm) como el documental <em>Alucardos, Retrato de un vampiro</em> (de Ulises Guzmán, y producido por el Festival Macabro) son una realidad que nos recuerda que los sueños también pueden ser pesadillas, parte esencial, igualmente, de nuestra existencia.<br /><br /><em>*Este texto se publicó originalmente en el suplemento</em> El Ángel<em>, del diario </em>Reforma<em>,en 2006.</em>Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-83042769123484116972011-05-10T11:18:00.000-07:002017-02-28T10:53:00.829-08:00Brujas + Argento + Goblin: Suspiria (Obra Maestra)<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge6iNKMwVIWKWSlOhIj9KW3EDA2s09P9sF2ubseajPKzH-D7OdbmhJwtKXu-ijAwDw3liec688Qb10zGdlmxxNeu-tjiBbdEoYLIcKX_R9bSk__NgOXLOHDov31zoay3iMzBVuNwp535mi/s1600/suspiria1.JPG"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 298px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge6iNKMwVIWKWSlOhIj9KW3EDA2s09P9sF2ubseajPKzH-D7OdbmhJwtKXu-ijAwDw3liec688Qb10zGdlmxxNeu-tjiBbdEoYLIcKX_R9bSk__NgOXLOHDov31zoay3iMzBVuNwp535mi/s400/suspiria1.JPG" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5605153728548130610"></a><br /><br />Es posible que varios de los lectores que estén leyendo esta información, recuerden las fabulosas campañas publicitarias que Carlos Amador le armaba a todo el cine de explotación europeo que gustaba distribuir en nuestro país durantes los años 80.<br />Comerciales en televisión y diversos anuncios en diarios hacían de aquellos filmes –a los cuales las grandes distribuidoras les hacían el feo– éxitos asegurados que convirtieron a Amador en una especie de K. Gordon Murray mexicano. Entre mucho de aquel cine truculento que le encantaba traer, y que muchos gustabamos de ver, no faltaron algunas verdaderas obras clave del cine de horror y explotación.<br /><br />Uno de aquellos extraños sucesos publicitarios que a este productor y distribuidor de cine en México le gustaba hacer, por ejemplo, fue el reestreno de <span style="font-style:italic;">Alarido</span>, a mediados de los años 80. Entonces, con cerca de una década de haber pasado por la cartelera de los cines del mundo (en México se estrenó en 1978, dónde permaneció durante siete semanas en el cine Manacar), este filme italiano realizado por Dario Argento en 1977, logró permanecer durante varias semanas en cartelera, seguramente como resultado del detalle que Amador decidió resaltar en la publicidad: que Miguel Bosé formaba parte del elenco del filme. Y aunque esta participación no pasa de ser algo muy breve, dicha aparición se trata de la primera realizada en cine por este cantante.<br /><br />En fin, el caso es que de muchas de esas cintas que explotaban sexo, sangre y otros ingredientes para pelar los ojos, Amador veía cómo, pero las convertía en éxitos de taquilla.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD4FqGwZN8_9rDjhZ28uvnCqtpvjkF4evFO3fBFnDiZK8jrYkuyhtdIFppw89NZjpMCrPtSuyiJvlLwy0YtG5KfPT5bYxYN5nxKCAYLtZacBxUHm0TRCrWo9txuMdnZ6p2A_2HtAXJMekq/s1600/suspiria+2.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 267px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhD4FqGwZN8_9rDjhZ28uvnCqtpvjkF4evFO3fBFnDiZK8jrYkuyhtdIFppw89NZjpMCrPtSuyiJvlLwy0YtG5KfPT5bYxYN5nxKCAYLtZacBxUHm0TRCrWo9txuMdnZ6p2A_2HtAXJMekq/s400/suspiria+2.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5605153725779320850"></a><br /><br /><span style="font-style:italic;">Alarido</span>, de esa forma, fue recordada para una nueva generación de entusiastas del género de horror. Sexto filme en la sobresaliente filmografía del maestro italiano, <span style="font-style:italic;">Alarido</span> o, llamémosle por su título original <span style="font-style:italic;">Suspiria</span>, con el paso de los años se ha transformado en un filme realmente mítico, por su extraordinaria propuesta visual y por lo complicado que resultó verla en su metraje original en varias partes del mundo.<br /><br />El caso es que <span style="font-style:italic;">Suspiria</span> abre una trilogía que hace cuatro años fue terminada en forma desafortunada (y lo digo así, porque La terza madre, cierre del ciclo, es una lástima para el género y para la filmografía de Argento).<br /><br />Como se comenta líneas arriba, <span style="font-style:italic;">Suspiria</span> se trata de todo un logro visual en el que el espectador es enfrentado a un juego macabro de luces y sonidos. Para lograrlo, Argento a partir de la inspiración producida por el trabajo de pintores clásicos construyó su historia con base en frescos tridimensionales en los que el grand guinol llegó al paroxismo, en gran medida, gracias al trabajo conjunto logrado con la banda sonora.<br /><br />Esta película evoluciona a partir de una anécdota sencilla, aunque conformado por una serie de sucesos increíbles y faltos en buena medida de lo que entendemos como lógica. Coescrita por Daria Nicolodi y el propio Argento, <span style="font-style:italic;">Suspiria</span> evoca los cuentos de hadas en pleno siglo XX: la sordidez de una sociedad de brujas y lo fabuloso del cuento fantástico coinciden en una escuela alemana de danza, donde una estudiante estadounidense ha llegado con la semilla de la incertidumbre.<br /><br />Es así que el filme transita en una atmósfera harto surrealista, y la cual logra envolver absolutamente al espectador: así como la arquitectura de las iglesias cumple con una serie de características para crear una atmósfera en la que las formas, la luz y el sonido meten en un estado especial a sus feligreses, este filme logra esto y lega una especie de vitral fílmico en el que cada escena fue ejecutada cuidadosamente.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheOxJ8bwxg45bdPFUUEXPbaTd6w2KxMFtpLWEBapRVQHiEpS65lV-Bd4av9HeMheFZ0ZnLDGpQsXw1NmFk01CBdLSLFGUgzjgmTJy3QPgz5kYpAc4MGTW6oMnfkssLMkfxucf-Z1y2jmvN/s1600/suspiria+3.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 236px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheOxJ8bwxg45bdPFUUEXPbaTd6w2KxMFtpLWEBapRVQHiEpS65lV-Bd4av9HeMheFZ0ZnLDGpQsXw1NmFk01CBdLSLFGUgzjgmTJy3QPgz5kYpAc4MGTW6oMnfkssLMkfxucf-Z1y2jmvN/s400/suspiria+3.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5605153720517999938"></a><br /><br />La banda sonora está compuesta por la banda italiana de rock progresivo que se conoció como Goblin, y que para este trabajo colaboró con el propio Argento en la composición. Ya en 1975 habían trabajado con este cineasta para la fenomenal Profundo Rosso, y su desempeño brilló igualmente y el cual tendrá que ser discutido en otra ocasión. Con aquel trabajo, incluso, el grupo vendió alrededor de 5 millones de copias del soundtrack y realizó una gira realmente exitosa.<br /><br />El caso es que la labor musical en <span style="font-style:italic;">Suspiria</span>, y visual conjunta, es uno de los más extraordinarios encuentros de imagen y sonido en el cine de horror, pues se trabajó una idea integral audiovisual en la que el propio Argento propuso la utilización del instrumento griego bouzouky, mientras la banda (compuesta por Claudio Simonetti, Massimo Morante, Fabio Pignatelli y Agostino Marangolo) ya tenía las percusiones africanas, el sintetizador, la guitarra, el bajo, la batería y las voces como base.<br /><br />Así, el score de <span style="font-style:italic;">Suspiria</span> se compone de un intenso encuentro de distintas atmósferas en sus respectivos momentos climáticos, que van desde el free jazz hasta aquel corte en el que auténticamente parece que se grabó a un coro de brujas en pleno aquelarre y que, por supuesto, lleva por título <span style="font-style:italic;">Witch</span>.<br /><br />A partir de la inquietud y apertura hacia la experimentación a priori, implícita en una banda de rock progresivo, Goblin construye una serie de atmósferas y sonidos que surgen de la reverberación eléctrónica –guitarra, bajo, sintetizador y batería–, por supuesto, pero que evolucionan y terminan en una orgía sonora que combina lo tribal con lo más moderno.<br /><br />Es de esa forma que el filme arranca desde el inicio de los créditos con un encuentro entre percusiones y quejidos que ponen en alerta al espectador de golpe. Los sonidos y las imágenes crecen conforme la acción del inicio pasa de la llegada en un aeropuerto a un viaje a través de un bosque en medio de la tormenta.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgarhnry9GsfaPa0XDN7ZqcMFxcrx-F5FQQxuVw-j1q5qo0EUftCpivx4iOcHN8MABJt5cVcdQQMddOYN7R6Uk5JCh9BjC0oZ9MMMRrN4kZBF-MFyRLfKRGNtXU3k8vU4PZ4PZ9sBC0pAM1/s1600/suspiria+4.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 225px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgarhnry9GsfaPa0XDN7ZqcMFxcrx-F5FQQxuVw-j1q5qo0EUftCpivx4iOcHN8MABJt5cVcdQQMddOYN7R6Uk5JCh9BjC0oZ9MMMRrN4kZBF-MFyRLfKRGNtXU3k8vU4PZ4PZ9sBC0pAM1/s400/suspiria+4.jpg" border="0" alt="" id="BLOGGER_PHOTO_ID_5605153721681890450"></a><br /><br />Y así como los sentidos son puestos al máximo en esa estresante secuencia inicial, la siguiente corta de tajo el ambiente previamente establecido proveyendo de una creciente tensión al espectador.<br /><br />Esa es la línea que sigue el filme, sus imágenes y sonidos: una ruptura constante de ambientes a partir de una fabulosa manipulación camaleónica de los ambientes a través de los sonidos y las imágenes que estos resaltan.<br /><br />Podemos decir que este filme posee algunos de los momentos de shock y horror mejor construidos en la historia del cine, algunas de las secuencias de suspenso más elaboradas y una imagen plena de colores contrastantes producto de un depurado trabajo de conceptualización, así como de la utilización de una cámara y un proceso de revelado que ya se encontraban descatalogados al momento de la filmación. <br /><br />El caso es que <span style="font-style:italic;">Suspiria</span> significó uno de los puntos más altos en la relación profesional de realizador y músicos, lo que significó una nueva línea para construir scores e, inclusive, rock y otras vertientes musicales.<br /><br />Este soundtrack, por supuesto, nunca ha sido editado en el país, pero existen diversas ediciones italianas y japonesas que pueden localizarse a través de internet o algunas tiendas de discos locales.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-79085931192202970562011-04-25T10:14:00.000-07:002011-04-25T10:37:54.198-07:00Perdónalos, porque no saben lo que hacen: la cinefagia de Semana SantaAunque durante el pasado puente de Semana Santona fue momento propicio para maratón o maratones de zombies, muertos vivientes, por aquello de la resurrección del zombie más famoso de la historia (Lázaro tal vez fue el primero pero, sin duda, Jesús es un 'poquito' más popular), enfermedades en la familia, dolor de cabeza intenso, notas por terminar y otras cosillas me impidieron llevar a buen término alguno de estos. No obstnate, y por supuesto, no estuvo ausente el cine. El siguiente es el breve recuento... ah, y yo "creo en la resurreción de los muertos", Credo dixit.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlM5OlHwqMK5OedkwKZsRwpggGlyd1TZBXT4PL5N-OKn2eSd-ePaRLoYXqUCtMmMiSU02Xd_cKqUqcVyCzSP5FWk_hyw4FmgxTzRCu-VyXE8GbmAj7_a6paQV0K06pteV8mSffduLGxkCZ/s1600/Whatever+Works.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 267px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlM5OlHwqMK5OedkwKZsRwpggGlyd1TZBXT4PL5N-OKn2eSd-ePaRLoYXqUCtMmMiSU02Xd_cKqUqcVyCzSP5FWk_hyw4FmgxTzRCu-VyXE8GbmAj7_a6paQV0K06pteV8mSffduLGxkCZ/s400/Whatever+Works.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599571086210431874" /></a><br /><br />Mmm, ¿que acaso ‘misántropo malhumorado’ no es como una redundancia? Pues a decir de los redactores de la página de Cinemex no lo es, pues así es como describen al protagonista del más reciente filme de Woody Allen, <span style="font-style:italic;">Whatever Works</span> (o como la titularon en español: <span style="font-style:italic;">Así pasa cuando sucede</span>), un malhumorado y misántropo (ja) excatedrático de Física que según él mismo asegura alguna vez estuvo a punto de ganar un premio Nobel, aunque ahora se dedica al intento por enseñarle ajedrez a niños tarados funcionales que lo único que logran es que él mismo les derrame sobre la cabeza las piezas de ajedrez en un desesperado intento por desaletargarlos.<br /><br />Larry David interpreta al malhumorado misántropo, un inadaptado social con una bendita capacidad para repelar de la vida y sus constructores con una labia y don poético que, simplemente, resulta imposible debatirlo ante la razón de su discurso. Ahora rengo tras un fallido intento de suicidio, se refugia en su grupo de amigos con los que siempre pelea y en su departamento a donde llega, ignorante y espantadiza, una damisela sureña interpretada por una hermosa Eva Rachel Wood (<span style="font-style:italic;">Across the Universe</span>), cuya encarnación como caricatura de la ignorancia del gringo profundo -además de hacerla blanco fácil de la sorna de Allen- la convierte en la pieza que hacía falta para hacer de esta comedia agria una casi reinterpretación del famoso “40 y 20” de José José, sólo que con unos 20 años más en la primera cifra.<br /><br />El caso, finalmente, es que se trata de una extraordinaria comedia del maestro Woody Allen, aunque digan misa sus detractores. No hay nada nuevo bajo el Sol (aunque Allen, me parece sí logró encontrar mucho hace una buena cantidad de años, y sigue explotando eso sin que nadie haga algo parecido), efectivamente, pero Allen tiene una capacidad reinterpretativa fascinante, utilizando una serie de elementos que repite en cada filme pero en combinaciones distintas y, en esa pequeñas variaciones, ofreciendo hallazgos formidables. Como en el caso de este filme, en el que la naturaleza misántropa de Allen aflora de forma inmaculada en el personaje de David, y ofreciendo un intenso debate acerca de la amargura adulta y la candidez jovial. Filme agrio, negativo, intenso y divertido, como comúnmente es la vida.<br /><br />Esta historia, obvio, ha pasado inadvertida en la cartelera comercial y ya sólo queda (en el DF) en tres salas de Cinemex, yo la alcancé en el WTC, y les recomiendo que igualmente lo hagan si realmente les gusta el cine.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghVfJmb0QwWFdmX0tdU-H8YnjZ-AZrBQghX8YC7sHYZIctQV3CkrWQYrONLE5aPxKWdFx3oCByqNYbMi8wKnrjiavZWORq1hYN6qwPpSaEkUzizA1-ybUsQJLx31eIPb29bjyhuEoMEPZh/s1600/Scre4m.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 266px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghVfJmb0QwWFdmX0tdU-H8YnjZ-AZrBQghX8YC7sHYZIctQV3CkrWQYrONLE5aPxKWdFx3oCByqNYbMi8wKnrjiavZWORq1hYN6qwPpSaEkUzizA1-ybUsQJLx31eIPb29bjyhuEoMEPZh/s400/Scre4m.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599571084414037794" /></a><br /><br />La verdad es que ya ni me acuerdo en que quedó <span style="font-style:italic;">Scream 3</span>, y tras ver <span style="font-style:italic;">Scre4m</span> creo que no importa mucho: Wes Craven, sin duda, conoce perfectamente los clichés, los elementos definitorios dentro de los mismos subgéneros que definió a su vez dentro del ya subgénero del Slasher Movie (con <span style="font-style:italic;">A Nightmare on Elm Street</span> y la misma <span style="font-style:italic;">Scream</span>), y su conocimiento en Psicología me parece que le permite conocer perfectamente lo que hace salivar a sus espectadores cautivos. Así, <span style="font-style:italic;">Scre4m</span> funciona como un reloj Casio: ofrece lo esperado y no falla, pero no hay nada nuevo. Los cuchillazos con sonido crudo, las corretizas de corta distancia dentro de las casas gringas, la infaltable trivia gore y la desfachatada crítica a los mass media, sus creadores y consumidores hacen de esta cuarta entrega de la saga posmoderna del slasher movie algo innecesario, pero que no deja de entregar hora y media de divertimento pueril (aunque haya quienes digan que les han robado hora y media de su vida).<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioGwborW6vckkpqbc6yYUUgifB4-Rd5A6ivM7F-NQFEeetEAk4XqIYN0ckVhMGdDgt6hnOTfmlLfNCGz7u45JSNUi3dCOly83dkxWU1OnATf_n7ubXfl-VsLcgZP_BwbmsS5BqOtoE3ejN/s1600/Plague+of+the+Zombies.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 295px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioGwborW6vckkpqbc6yYUUgifB4-Rd5A6ivM7F-NQFEeetEAk4XqIYN0ckVhMGdDgt6hnOTfmlLfNCGz7u45JSNUi3dCOly83dkxWU1OnATf_n7ubXfl-VsLcgZP_BwbmsS5BqOtoE3ejN/s400/Plague+of+the+Zombies.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599571070484767506" /></a><br /><br />Ya en la comodidad del sofá frente al televisor, pude ver <span style="font-style:italic;">Plague of the Zombies</span>, atípico filme de la Hammer Films, dirigido por John Gilling en 1966. Y aunque precede por un par de años al clásico de George Romero, este filme inglés no sale del lugar común en el que durante décadas estuvo instalada la figura del cuerpo sin alma: producto de la magia voodoo y utilizado, literalmente, como bestia de carga y trabajo. <br /><br />La historia me parece que debe desarrollarse a principios del siglo pasado en una localidad rural inglesa, donde comienzan a morir misteriosamente una buena cantidad de trabajadores jóvenes, y vemos al clásico doctor que incapaz ve cómo la comunidad y sus enfermos se le escapan de las manos en medio de una extraña epidemia. Los zombies, en la parte final del filme resultan un tanto decepcionantes ante su papel social, pero el espectador no se va con la manos vacías pues, además de la suntuosa fotografía y del sobresaliente diseño de producción acostumbrados en las producciones de esta compañía, vemos un diseño zombie peculiar y una primera aparición de acción zombie en la que el cadáver que camina se avienta un grito bien machín.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPqHBFNWGTSenRUx8zixJuhLEpceK6jn_J-HER2XA2r8GapchRDCASNJjcUdabe1URpZABrf4Mne9H6QGGTOljwRGuKZWj5lyUOHod96EUodrCdOhx-xlb1hJ8nFMRZFNwyREGjtPoYtsq/s1600/Betty+Blue.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 276px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPqHBFNWGTSenRUx8zixJuhLEpceK6jn_J-HER2XA2r8GapchRDCASNJjcUdabe1URpZABrf4Mne9H6QGGTOljwRGuKZWj5lyUOHod96EUodrCdOhx-xlb1hJ8nFMRZFNwyREGjtPoYtsq/s400/Betty+Blue.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5599571064206013282" /></a><br /><br />Y finalmente revisité, tras unos 20 años de que la vi por primera y única vez hasta ahora(en un VHS prestado por Juan Heladio Ríos), la hermosa y espeluznante <span style="font-style:italic;">Betty Blue</span>, en realidad <span style="font-style:italic;">37°2 le matin</span>, filme que recuerdo claramente provocó, junto con <span style="font-style:italic;">Blue Velvet</span> de David Lynch, intensos debates en la prensa escrita ‘especializada’ en el México de 1986 y 1987.<br /><br />Aunque con el tiempo el filme del francés Jean-Jacques Beineix no ha alcanzado la notoriedad del filme de Lynch, en este caso también se habla de una historia extraordinaria con personajes en el precipicio. Ya la interpretación de la muy entonces apetecible Béatrice Dalle (que hace unos años volvió a aterrorizar a una nueva generación con su papel también de loca en <span style="font-style:italic;">À l'intérieur</span>) es suficiente para recordar la historia, pero el trabajo del conjunto fílmico en general es potente y hermoso: la primera parte de la historia con una casi inocente y salvaje Betty paseándose entre unos sencillos aunque paradisiacos bungalows, de contrastantes colores con el cielo azul, son de esos momentos fílmicos que se graban detalladamente en la memoria. Y ya la esquizofrenia de Betty en las dos terceras partes restantes del filme, y el intento de Zorg por rescatar la cordura y el amor de esta mujer igualmente se graban pero de otra forma en la memoria.<br /><br />Filme de amor y locura, desde hace unos años ronda en su versión integra de 185 minutos en DVD, y se trata de un versión que no cae en minuto alguno (me la aventé sin parpadear de 11 a 2 de la mañana). La Betty de Dalle ha pasado ya a la historia tanto como una de las más gozosas como una de las más peligrosas, y su historia y la del malogrado escritor Zorg permanece intacta como una tormenta que deprime, y en eso radica su valor como obra consumada que logra su cometido.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-78606348723839513422011-04-20T07:52:00.000-07:002011-04-20T08:25:17.314-07:00Sandy's at Waikiki<span style="font-weight:bold;">Sandy's at Waikiki</span>, por Daniela Franco y varios autores<br />Editorial RM<br />España / México<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcyCLmQs69b6HotHeKIzZ7kZYeek1KJc7aXcUuz6nnPVC_RzICjWzd1hjzSwnJJiOzGCSrf6wwBegtztOY55-jbIMnek9-u4A3iQiwPuicFFddd0lSxmyvFpwtLcsuLNx1EuJor8NdUl3c/s1600/Sandy%2527s+at+Waikiki.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 295px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcyCLmQs69b6HotHeKIzZ7kZYeek1KJc7aXcUuz6nnPVC_RzICjWzd1hjzSwnJJiOzGCSrf6wwBegtztOY55-jbIMnek9-u4A3iQiwPuicFFddd0lSxmyvFpwtLcsuLNx1EuJor8NdUl3c/s400/Sandy%2527s+at+Waikiki.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5597681302375881634" /></a><br /><br />“El pasado es, pues, una constante acumulación de imágenes y un caos muy generoso”, se lee al pie de una de las docenas de imágenes que han conjurado el libro <span style="font-weight:bold;">Sandy’s at Waikiki </span>(Editorial RM, 2011), una memoria de ciertos días y cierta familia a partir de la reconstrucción narrativa por una docena y un extraños.<br /><br />Dicho pie de foto se antoja revelador y condenatorio, por igual. En un esfuerzo –muchas veces fallido– los individuos en solitario y en células familiares se empeñan en hacer y guardar la historia en base al intento por capturar el tiempo y el momentum en imágenes fotográficas y de video, así como a registrar a través de la palabra escrita los sucesos y hechos refractados a en la vista y el resto de los sentidos.<br /><br />Pero uno y todos construimos prácticamente en la ignorancia y en el azar, porque no sabemos cuánto más viviremos, porque no sabemos qué pasará con esos registros, y porque nunca sabremos de cierto –o nunca querremos aceptar- si ha valido la pena empeñarse en dicha crónica.<br /><br />“El pasado es, pues, una constante acumulación de imágenes y caos muy generoso”, vuelve entonces a nuestra mente dicho pie de foto, escrito por Enrique Vila-Matas, narrador que se une al cabalístico número de escritores que se empeñan en construirle una historia a la familia Sandy, la del título y que le da sentido a <span style="font-style:italic;">Sandy’s at Waikiki</span>, un libro-objeto-experimento-documentofalso-ficción-testimonio fotográfico que es prueba de una memoria guardada, aunque presta para la manipulación y para su profanación.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdunrn_rFDRQPQ4SVOSXRhFgBpAnOlOqWgWm8LIjwpCzby9Dm-v5PhgGwYsaYkDJgdrBdZfwdPJ9jqgIPuMOeasyp-vZUb4AyGbn_gW2zCpdOetqFckaQPOO4AKzzGug_ZGN0aCQiBe5Jn/s1600/Sandy+1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdunrn_rFDRQPQ4SVOSXRhFgBpAnOlOqWgWm8LIjwpCzby9Dm-v5PhgGwYsaYkDJgdrBdZfwdPJ9jqgIPuMOeasyp-vZUb4AyGbn_gW2zCpdOetqFckaQPOO4AKzzGug_ZGN0aCQiBe5Jn/s400/Sandy+1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5597681298356036754" /></a><br /><br />Daniela Franco, artista multimedia, localizó 600 diapositivas y fotografías de una familia estadounidense aparentemente en un mercado de pulgas en Barcelona. A partir de este descubrimiento, y de otros documentos escritos y sonoros, decidió comenzar a construir la historia de esta familia (de apellido aparentemente Sandy, según un letrero impreso en uno de los marcos de una serie de diapositivas), a mitad de la realidad y a mitad de la ficción; ésta última parte con la ayuda especulativa e imaginativa de los 13 autores, entre los que se encuentran el francés Emmanuel Adely, el australiano Sean Condon, el italiano Fabio Morábito, los mexicanos Alain-Paul Mallard y Juan Villoro y, entre otros, el propio Vila-Matas.<br /><br />El resultado de este esfuerzo por concretar y rescatar una historia que con el tiempo se perdió es un interesante experimento en el que memoria, reelaboración y conjeturas se entrelazan para hablarnos sobre la fuerza de las imágenes y, sobre todo, la trascendencia que el tiempo les permite obtener.<br /><br />Durante la historia dentro del libro –en base a memorias escritas, cartas, testimonios grabados, emails– nos enteramos de la existencia de la familia Sandy, una como muchas estadounidenses medias de los años 50 del pasado siglo, cuyo rumbo se dio a partir de una de tantas guerras (los <span style="font-style:italic;">norteamericanos</span> siempre estamos en guerra, por ahí alguien dice) y cuyo paterfamilias un buen día desapareció. Ese mismo señor Sandy parece que fue un piloto de autos, o un estafador y un mal fotógrafo; uno cuya temblorosa mano y mal ojo para enfocar y cuadrar hacen de este libro una pena en términos fotográficos aunque, en términos testimoniales -de reelaboración a partir de la conjura visual-, un excitante ejercicio narrativo.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-kEicULQiMIEST1NCeq0CI77vrP1WEJmQnoha2buPCDc35pnkrvms_yRWKQRrKWmlPZYuv96DxyscuZ1YF_e9PXsPEmwGe83Gn_ycXzulfnCqMsAhadvxWgRKdYQ1yD73Chf7gjyouCOe/s1600/Sandy+2.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-kEicULQiMIEST1NCeq0CI77vrP1WEJmQnoha2buPCDc35pnkrvms_yRWKQRrKWmlPZYuv96DxyscuZ1YF_e9PXsPEmwGe83Gn_ycXzulfnCqMsAhadvxWgRKdYQ1yD73Chf7gjyouCOe/s400/Sandy+2.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5597681296587666210" /></a><br /><br />Las fotos de la familia Sandy son pobres en técnica, pero el bálsamo que ofrece el tiempo (ese compuesto por modas pasadas capturadas, sitios ya inexistentes, oxidación y decoloración) le da no una, sino varias dimensiones nuevas. La nostalgia y esa sensación de capturar algo que ya fue pero que se reconoce reciente, palpable prácticamente, brinda trascendencia al mensaje que construye este libro.<br /><br />Como colofón, se incluye la misiva enviada por un vendedor del mismo mercado de pulgas en el que se encontraron las imágenes, ofreciendo otra versión de la historia, una que se antoja tan real, tal vez más o, inclusive, más apócrifa que la creada por Franco y compañía, enriqueciendo la propuesta discursiva del libro y dándole una vuelta de tuerca más a la narración.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-14885928463815626482011-02-22T12:20:00.000-08:002011-02-25T08:08:38.675-08:00Soundtrack: The Tenant<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVbkSUPwZAsWVj0uoARgvSzt3NjsLBCNXjDojIz8NcyX5PmukC5w6BgAtF8sGtdw4jmRCmTLiHf3GqUIsFmP76VInAZNjFJcqb5Hng0AmNTXDGqkMS-Ru-YO6YnCiOaaS9Tyw4YGV78h52/s1600/The+Tenant+Title.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 219px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVbkSUPwZAsWVj0uoARgvSzt3NjsLBCNXjDojIz8NcyX5PmukC5w6BgAtF8sGtdw4jmRCmTLiHf3GqUIsFmP76VInAZNjFJcqb5Hng0AmNTXDGqkMS-Ru-YO6YnCiOaaS9Tyw4YGV78h52/s400/The+Tenant+Title.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576611898102080082" /></a><br /><br />Devorar o, al menos, rastrear y conseguir con ahínco obras musicales que revistan filmes, es decir, soundtracks o bandas sonoras, es un ejercicio poco practicado en México y el mundo.<br /><br />Porque comprar la banda sonora que John Williams compuso para el éxito taquillero más reciente o adquirir el compilado ocioso que Lynn Fainchtein armó para el vehículo comercial mexicano más reciente, no son precisamente acciones que respondan a una necesidad o una pasión, sino más bien se trata de respuestas conductistas fríamente calculadas.<br /><br />Si se busca el soundtrack de alguna película de hace más de tres lustros, o el de un compositor en específico tal vez, entonces, ya estemos hablando de que nuestra búsqueda y preocupación ya cuenta con una intención que va más allá del éxito del momento y, por tanto, vamos por el buen camino del coleccionismo o, simplemente, del apasionamiento.<br /><br />Esto lo comento porque en México, al menos, poco se escribe de soundtracks, y menos de los que lleven más de medio año de ir sumando polvo en sus superficies plastificadas. <br /><br />Hace 35 años Roman Polanski realizó una de las obras maestras clave de la historia del cine. Adaptación de una obra escrita algunos años antes por el autor francés Roland Topor, <span style="font-style:italic;">Le Locataire</span>, <span style="font-style:italic;">The Tenant</span> o <span style="font-style:italic;">El inquilino</span>, se trata de un filme que resume de manera sobresaliente las obsesiones del realizador polaco, y logra reflejarlas como un universo en el que coinciden varios temores de fin de siglo.<br /><br />Se trata de un filme en el que la paranoia del individuo migrante, el extraño en una tierra extraña, parece darle definición a las grandes ciudades. Trelkovski, el polaco deseoso de un departamento en la ciudad luz, interpretado por el mismo Polanski, mira con frustración cómo la sociedad lo devora y desea convertirlo en un individuo que nada tiene que ver con su naturaleza. Es en ese proceso de enajenación que la locura surge desequilibrando a la mente y el estado de las cosas.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuTVyTIPPfPDPG8Kbu2ECd_-NsmUoLf9ixd-v6_ACk1erP_P6ZDcS_lSXxAIsgs4vXKWyucazcgFzjsMqq5dz-8xlh1jHJ2eQesQoTKqzufO-hXc1j4dslSuDW79jkRhJPY3iyuCkjdPwi/s1600/TheTenantPortada.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuTVyTIPPfPDPG8Kbu2ECd_-NsmUoLf9ixd-v6_ACk1erP_P6ZDcS_lSXxAIsgs4vXKWyucazcgFzjsMqq5dz-8xlh1jHJ2eQesQoTKqzufO-hXc1j4dslSuDW79jkRhJPY3iyuCkjdPwi/s400/TheTenantPortada.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576611897739328450" /></a><br /><br />Filme de varias lecturas y de una atmosfera de auténtica clautrosfobia, <span style="font-style:italic;">The Tenant</span> compone uno de los retratos más salvajes e inteligentes del individuo a finales del siglo XX. Por supuesto que en una obra tan extraordinaria, la banda sonora es pieza clave y, aunque no podemos saberlo, suponemos que los logros del filme habrían sido muy distintos de haber contado con otro acompañamiento.<br /><br />Desde la secuencia de créditos, que magistralmente establece y resume las búsquedas y conflictos de la historia en un paseo de resonancias fantasmagóricas a través de las ventanas del condominio en el que se desarrolla la acción, el preciso ambiente visual alcanza dimensiones palpables con el inolvidable e irrepetible trabajo musical del compositor francés Philippe Sarde (quien posteriormente musicalizó filmes como Ghost Story y Quest for Fire).<br /><br />Ese sonido sordo, casi vacío con incertidumbre, que produce el cello, y varias cuerdas más como acompañamiento, inicia el filme. A éste se agregan el clarinete y, por último, lo que viene a dar la definición absoluta de esta obra musical: la armónica de cristal. En conjunto, los instrumentos producen una melancolía e incertidumbre rara vez escuchados en el cine.<br /><br />Sí, se trata de un trabajo que pone en un estado no muy agradable para la mayoría de los espectadores, pero eso no impide que podamos disfrutar de la obra en conjunto o por separado.<br /><br />De esos tres instrumentos, Philippe Sarde obtiene la definición buscada para el personaje de Trelkovski y su entorno. Los ambientes cristalinos sugeridos por la armónica de cristal, a decir de su autor, son lo que definen el corte trágico del personaje.<br /><br />Durante años este soundtrack fue objeto de una búsqueda desesperada por mi parte –de hecho, no estoy seguro de que haya sido editado en su momento–; afortunadamente, hace unos años lo publicó la oficina francesa de Universal, en un CD en conjunto con la banda sonora de <span style="font-style:italic;">Tess</span> (1979), filme igualmente dirigido por Polanski y musicalizado por Sarde.<br /><br />La banda sonora para Tess se trata, igualmente, de un efectivo score que ambienta a la perfección la historia desarrollada en el siglo XIX; pero, por supuesto, no estamos hablando en este caso de algo tan atípico como la banda sonora de <span style="font-style:italic;">The Tenant</span>.<br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjF97QdQFqobelff4nEiamzsxeNsRnA4EwcGIghCwMbVIOEhdFiSdlq2HbGn4Yhy1Iabyrnd61nrj8yXPEJhfKTJVtelJldOe56MsxqSXnaCcsJtCbQN_Gt8QL6nORkPowFQU1MdzoLHlHa/s1600/Tenant+1.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 231px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjF97QdQFqobelff4nEiamzsxeNsRnA4EwcGIghCwMbVIOEhdFiSdlq2HbGn4Yhy1Iabyrnd61nrj8yXPEJhfKTJVtelJldOe56MsxqSXnaCcsJtCbQN_Gt8QL6nORkPowFQU1MdzoLHlHa/s400/Tenant+1.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5576611896020380706" /></a><br /><br />El CD contiene notas escritas por el propio Sarde, y es ahí donde nos enteramos del fabuloso trabajo de absorción de la anécdota por parte del compositor para crear la música de esta obra oscura en varios niveles, y de la que poco se ha escrito.<br /><br />Sarde rememora haber conocido al realizador de <span style="font-style:italic;">Rosemary’s Baby</span> en 1975, tras su exitosa <span style="font-style:italic;">Chinatown</span>. El compositor dice que el propio Gerard Brach –coguionista de Polanski de algunos de sus filmes, entre ellos <span style="font-style:italic;">The Tenant</span>– fue quien se encargó de presentarlos, aunque Polanski no lo aceptó inmediatamente, pues no se trata de una persona que brinde su confianza fácilmente.<br /><br />Sin embargo, el músico francés poco a poco se fue inmiscuyendo en el proyecto: estuvo presente durante la filmación, y no se cansó de entregarle notas a Polanski durante cada escena en las que le decía que la música debía invadir todo. No obstante, fue hasta una cena que tuvieron juntos, cuando Polanski frotó sus dedos sobre un vaso con agua, y con el sonido producido fue que Sarde entendió que Polanski le enviaba un mensaje cifrado.<br /><br />El trabajo comenzó entonces para Sarde, quien conjuntó la orquesta de cuerdas, el clarinete –inicialmente pensó en un saxofón, pero las circunstancias lo llevaron al sonido más ‘ambivalente’ del clarinete– y la armónica de cristal, instrumento del siglo XVI, al que recurrió el mismo Mozart, y que fue interpretado por el músico alemán Bruno Hoffmann para la partitura de Sarde. De esa forma compuso la música para la secuencia inicial, y cuando Polanski escuchó lo ejecutado en conjunto con la imagen, le dio luz verde al compositor para encargarse de revestir al filme, como explica el compositor en las notas que acompañan este disco.<br /><br />Polanski entonces le dijo a Sarde que necesitaba escuchar la música con la imagen, pues la música de un filme no tiene interés por separado; y, sin lugar a dudas, casi en la mayoría de los casos esto es muy cierto. Pero con el soundtrack de <span style="font-style:italic;">The Tenant</span> estamos hablando de algo extraordinario: si bien, la pieza fue escrita de forma consciente para el filme, su extraordinaria naturaleza la hace una criatura sobresaliente por sí sola.<br /><br />No extraña entonces que, a pesar de romper relaciones con Polanski desde hace varios años, a Sarde le enorgullezca que la gente continúe identificándolo como el compositor de <span style="font-style:italic;">Le locataire</span>, una de las grandes obras de arte del siglo XX.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-4698917796015876222011-01-24T14:23:00.000-08:002011-01-24T14:28:28.907-08:00Let Me In<a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWVB3ktEBYDgidUfveeRw_RyJeaU1cAX_mLFKIpI0CNKtZA05u-mEiCuAvMrjcSqlQ7H7yhfofk-nDhbRP48vCQkyq7FoTgW26b7_9oesbMI6WT8x5pkCv2WQtfKcSxUhNvGWaWUFuf6ka/s1600/let-me-in.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 380px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWVB3ktEBYDgidUfveeRw_RyJeaU1cAX_mLFKIpI0CNKtZA05u-mEiCuAvMrjcSqlQ7H7yhfofk-nDhbRP48vCQkyq7FoTgW26b7_9oesbMI6WT8x5pkCv2WQtfKcSxUhNvGWaWUFuf6ka/s400/let-me-in.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5565881801470460850" /></a><br /><br />El fin de semana se estrenó <span style="font-style:italic;">Let Me In</span> (Déjame entrar), remake casi inmediato al ya clásico filme sueco <span style="font-style:italic;">Låt den rätte komma in </span>(2008), de Tomas Alfredson. Aunque precedido por una buena recepción por parte de la crítica anglosajona, en México teníamos nuestras dudas sobre la calidad de este remake, pues desde hace un par de años conocimos el original en el cine y, como entes no angloparlantes (quiero creerlo aún), nunca vimos la necesidad absoluta de contar con una versión hablada y transformada por el idioma inglés.<br /><br />Sin embargo, existían puntos de interés en este remake: la realización y el guión quedó en manos de Matt Reeves quien, aunque no escribió, se encargó hace un par de años de dirigir Cloverfield, una reelaboración del kaijū eiga que me parece muy efectiva; además, el proyecto por rehacer este filme de vampiros surge de una de las productoras más importantes dentro del género: Hammer Films, baluarte indiscutible con obras tan trascendentes, como <span style="font-style:italic;">The Brides of Dracula</span>, <span style="font-style:italic;">The Vampire Lovers</span>, <span style="font-style:italic;">Frankenstein Vs. Monster From Hell</span>, <span style="font-style:italic;">The Legend of the 7 Golden Vampires</span>, <span style="font-style:italic;">Dracula</span> y, entre muchas otras, <span style="font-style:italic;">The Curse of Frankenstein</span>.<br /><br />El filme, por sí solo, resulta un sobresaliente trabajo qué, sin duda y de inicio, se sostiene por la historia original escrita por John Ajvide Lindqvist, y que de muy buena forma es seguida por Reeves para este remake. Además, se compone de un elenco muy bueno y una realización igualmente sobresaliente. En este último aspecto, cuando se habla de un remake se espera, mínimo, la reelaboración o deconstrucción de algún o algunos momentos de la historia con el objetivo, tal vez, de enriquecer la experiencia o la idea original. En ese aspecto, sobresale notoriamente el momento (escribo en el entendido de que la gente que llegue a este texto ya conoce la versión original, así que spoiler alguno no existe) de la muerte del compañero de la niña vampiro, que en este caso se trata de un plano secuencia de verdadera locura.<br /><br />Así, <span style="font-style:italic;">Déjame entrar</span>, el remake, funciona como un sobresaliente filme de vampiros que, sin embargo, puede resultar ocioso si se piensa que es muy cercano a la original, y ésta es prácticamente una obra perfecta.<br /><br />Pero, por otro lado, me parece que su existencia puede ser el anunció de una nueva época de cine de horror.<br /><br />Cuando en 1957 la Hammer Films comenzó su primer renacimiento con la reelaboración del clásico de Mary Shelley, a través del filme <span style="font-style:italic;">The Curse of Frankenstein</span>, dirigido por Terence Fisher, con guión de Jimmy Sangster, y el inicio del diabólico encuentro en pantalla de Peter Cushing y Christopher Lee (¡¡no puede pedirse más!!), todo reinició de cero y fue esplendoroso. <br /><br />Para entonces, la Hammer llevaba más de dos décadas produciendo comedias y filmes de suspenso, pero en ese 1957 decidieron reelaborar mitos del cine de horror atreviéndose a rehacer, a hacer nuevas versiones, remakes, de historias que habían permanecido intocables durante dos décadas.<br /><br />Obviamente, la incertidumbre del público y la crítica era clara; inclusive, la respuesta no fue del todo buena ante el grafismo implícito en el color del filme y agregado en la historia, y durante los primeros años de la producción Hammer en el género no fue bien vista del todo; pero la cosas cambiaron con los años, y hoy muchos de los filmes de la Hammer Films sobresalen por su calidad y continúan como referencias inequívocas de la calidad dentro del género.<br /><br />De esa forma, al ver que la Hammer Productions renace por segunda ocasión con un sobresaliente remake a <span style="font-style:italic;">Låt den rätte komma in</span> –un filme que, como el <span style="font-style:italic;">Frankenstein</span> de Whale y Karloff, está haciendo época en su momento–, no puedo más que pensar que al hacerlo nuevamente con un un buen remake se trata de una positiva y simbólica forma de continuar con un legado que, a partir de la reelaboración de historias conocidas creó un canon de calidad y que quizás ahora, por qué no, tal vez iniciar uno nuevo para el siglo XXI.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-1809872895998237189.post-81440692520768477642010-11-30T15:50:00.000-08:002010-11-30T16:34:53.672-08:00Bug = In-sectosSin decir agua va (bueno... tras esperar cuatro años...), finalmente Artecinema se dignó a estrenar <i>Bug</i>, el más reciente filme de William Friedkin. Éste ha sido estrenado únicamente en Cineteca Nacional (no se exhibirá en salas comerciales), donde permanecerá hasta la tercera semana de diciembre. Abajo encontrarán un texto que escribí en 2008, para el suplemento El Ángel del diario Reforma, cuando supuestamente estrenarían el filme en México. Con esto intento impulsarlos a que vayan a ver la película, pues se trata de otro gran trabajo de Friedkin y el cual, seguramente, pasará desapercibido en Cineteca Nacional. No se arrepientan después.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzdo2EKIEPuuoCgYbU7PD718E-ZYpBXrSvTvvnVZcSe4W-ntGiS71NbzP8hB-C2tVbparhkTm3R3oEisI4dcupiLghQA-SOxkq7dvJ8VFCKhN3Mgm_pIsOFELh8yT_WjWHTvAvnoGGuRru/s1600/bug+cartel.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 272px; height: 400px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzdo2EKIEPuuoCgYbU7PD718E-ZYpBXrSvTvvnVZcSe4W-ntGiS71NbzP8hB-C2tVbparhkTm3R3oEisI4dcupiLghQA-SOxkq7dvJ8VFCKhN3Mgm_pIsOFELh8yT_WjWHTvAvnoGGuRru/s400/bug+cartel.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5545494669007739730" /></a><br /><br />Sin duda, resulta interesante observar la evolución… o transición, mejor dicho, que han tenido las carreras de varios autores fogueados en el explosivo, vociferante y dignificante zeitgeist de la década de los 70.<br /><br />Marcada por violencia explícita y mensajes viscerales, la cinematografía de dicha década abrió un canal de acción que permitió observar una sociedad mundial en franco conflicto con sus convicciones, instituciones y orden social.<br /><br />Martin Scorsese (<i>Taxi Driver</i>, <i>Mean Streets</i>), Steven Spielberg (<i>Duel</i>), George Romero (<i>Martin</i>, <i>Jack’s Wife</i>), David Cronenberg (<i>Shivers</i>, <i>The Brood</i>), Felipe Cazals (<i>Canoa</i>, <i>El apando</i>), Costa Gravas (<i>Z</i>) y, entre otros, William Friedkin (<i>The French Connection</i>, <i>The Exorcist</i>), son algunos de los autores que de dicho periodo hicieron un fresco revelador de las carencias sociales al momento.<br /><br />Y hoy, puede resultar estresante ver el declive artístico de un autor como Scorsese (agazapado en producciones multimillonarias, pero carentes de interés y fondo); o tonificante mirar a Romero continuar batallando desde las trincheras de la metáfora zombie gore y el cine independiente.<br /><br />El caso de William Friedkin, igualmente, es particular, y afortunadamente sobresaliente. Con 75 años a cuestas este realizador, que en distintos puntos de su carrera ha recibido el mote de sátiro por parte de algunos actores – sobrepasados por el rigor de Friedkin–, no ha estado exento de algunos debacles fílmicos; pero estos sólo son algunos baches en una carrera de constantes logros dramáticos.<br />Friedkin no se instaló en un solo género, y sus inquietudes han sido demasiado crudas para una industria hollywoodense; tal vez por esas razones su filmografía no ha sido tan reverenciada como la de Scorsese o Spielberg, por ejemplo.<br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwrfC2KN3qzYWOccNsw1-keoSqlvlibFoaZu1Y3VwHGzlbuojrZCgoZ-wi37-ByfVAbQIYdcfQqfXmmOkjbpcDlolFq64N0JZLm9pBtuStM4Z0UNfWkIBObL-nnlq5Q1rGCHTVCw9aQf0l/s1600/Bug.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 268px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwrfC2KN3qzYWOccNsw1-keoSqlvlibFoaZu1Y3VwHGzlbuojrZCgoZ-wi37-ByfVAbQIYdcfQqfXmmOkjbpcDlolFq64N0JZLm9pBtuStM4Z0UNfWkIBObL-nnlq5Q1rGCHTVCw9aQf0l/s400/Bug.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5545494666612132930" /></a><br /><br />Es dentro de esa dinámica de exploración que en los últimos años este realizador ha compartido la dirección fílmica con la escénica, en diversas óperas en Europa (sin olvidar su trabajo para filmes, documentales y seriales televisivos). <br />Cineasta de ideas marginales, Friedkin continúa alimentado su condición con <i>Bug</i> (In-sectos, 2006), su más reciente filme.<br /><br />De presupuesto modesto (ofrecido por Lionsgate, productora con varios éxitos debidos precisamente a las ‘posibilidades’ de los bajos presupuestos), Bug continúa la exploración de la paranoia moderna que Friedkin ha abordado en distintas formas. En este caso a partir de la obra de teatro del mismo nombre escrita por Tracy Letts, quien también se encarga del guión fílmico.<br /><br />El estridente e incómodo discurso del filme provocó, inclusive, que su exhibición pasara casi desapercibida en EU a mediados de 2007, y que en México se estrene hasta finales de 2010. Esto, muy a pesar de que el filme obtuviese en 2006 el premio FIPRESCI, durante la Quincena de Realizadores en el Festival de Cannes.<br />El paisaje estepario, su calor sofocante, y los estados mentales que esto puede ocasionar cercan un destartalado cuartucho de motel habitado por Agnes (Ashley Judd), quien sobrevive del consumo de drogas y de un trabajo como bartender en un antro lésbico. La esperanza de recuperar un hijo que desapareció y que su golpeador exmarido no regrese, son lo que la mantiene viva.<br /><br />Ese es el escenario del filme y las mismas condiciones psicológicas de su protagonista: marginada, sucia, sudorosa, entierrada, enferma y, a diferencia de los bichos, frágil y presa de inseguridades.<br /><br />Entra entonces a escena Peter (Michael Shannon): hombre aparentemente desamparado, llega de la mano de una compañera de trabajo al refugio de Agnes. Los miedos de ella se suman a los de él, se unen y encuentran una fuerza común.<br /><br />Peter, aparente veterano de la Guerra del Golfo Pérsico, posee una mirada y un diálogo que, poco a poco, manifiestan sus cicatrices internas; y éstas parecen ir más allá de las fronteras psicológicas. <br /><br /><br /><a onblur="try {parent.deselectBloggerImageGracefully();} catch(e) {}" href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc3GWC3ewescXffT916-h77Gmh7F78FA5KsG-Cojm5uAFQa-4i7uBo4twquerBpFYMnrSikr35b8xWlXaj199feE_p7fErZ0uovWHe6GLhDdXPlZ2hSUOfJM-AaMgtsN2-So8vxW-msnPB/s1600/william-friedkin-bug.jpg"><img style="display:block; margin:0px auto 10px; text-align:center;cursor:pointer; cursor:hand;width: 400px; height: 200px;" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgc3GWC3ewescXffT916-h77Gmh7F78FA5KsG-Cojm5uAFQa-4i7uBo4twquerBpFYMnrSikr35b8xWlXaj199feE_p7fErZ0uovWHe6GLhDdXPlZ2hSUOfJM-AaMgtsN2-So8vxW-msnPB/s400/william-friedkin-bug.jpg" border="0" alt=""id="BLOGGER_PHOTO_ID_5545494663355567794" /></a><br /><br />Desea olvidarse de lo que vivió entre las trincheras, pero áfidos implantados en su cuerpo como experimento biológico de guerra no se lo permiten. Los bichos que recorren todos sus músculos, sus dientes, su sangre, por tanto, invaden su sistema nervioso y su cerebro. Así como están presentes en todo su cuerpo, lo están en su mente.<br /><br />Ya Sammuel Beckett se encargó de cobijarnos con la paranoia ordinaria de nuestro tiempo, en espacios cerrados como nuestro inconsciente y el escenario de <i>Bug</i>. Pero en este caso, Letts parece deberle más a Roman Polanski.<br /><br />En <i>Repulsion</i> (1975) vimos cómo el personaje interpretado por Catherine Deneuve era presa de una realidad alterna, enconada en su esquizofrenia. No obstante, es con Trelkovsky, interpretado por el propio Polanski en <i>Le Locataire</i> (1976) donde una de las psicosis filmadas de la manera más extraordinaria nos pega a todos. Trelkovsky no sólo es el extraño en el lugar incorrecto (un polaco en Francia), ante todo se trata de un individuo que se descubre distinto a su entorno y quien, entonces, comienza a ver una amenaza en todos. Trelkovsky cree ser el blanco de un complot diabólico (e, igualmente, la obra original en la que se basa el filme de Polanski es obra de otro gran artista existencialista: Roland Topor).<br /><br />En <i>Bug</i>, Peter es el ser cuya percepción lo lleva a vivir un complot en su contra por parte del gobierno y la humanidad misma. Pero la partida de locura es doble cuando esos bichos que carga los comparte con Agnes, y es entonces que la pantalla de cine se convierte en un cuarto acolchonado (aunque, en este caso, forrado de papel metalizado para evitar que cualquier información sea robada).<br />Friedkin hace que esa paranoia fluya más allá de los cuatro ángulos de la pantalla de cine. La invisible, pero respetable, cuarta pared cae ante el hervidero de bichos neuronales que Judd y Shannon combaten durante el metraje hasta terrenos realmente estridentes, que los deja desnudos y visiblemente exhaustos.<br /><br />Creemos saber que se trata de una muestra más de paranoía conspiratoria, pero Friedkin no nos está dando el caramelo Made in Hollywood. Y tampoco lo ha hecho cuando de diablos, traficantes, asesinos en serie y falsificadores nos ha hablado.<br />Tal vez los que estamos viviendo una ilusión somos los que estamos del otro lado de la pantalla.Morningstarhttp://www.blogger.com/profile/10316552605614957324noreply@blogger.com0